Geschichte der Musik

Mittelalterliche musikEdit

Während das Musikleben im frühen Mittelalter zweifellos reich war, wie künstlerische Darstellungen von Instrumenten, Schriften über Musik und andere Aufzeichnungen belegen, ist das einzige Repertoire an Musik, das von vor 800 bis heute erhalten geblieben ist, die plainsong liturgische Musik der römisch-katholischen Kirche, von denen der größte Teil Gregorianischer Gesang genannt wird., Papst Gregor I., der dem musikalischen Repertoire seinen Namen gab und selbst Komponist gewesen sein mag, wird normalerweise behauptet, der Urheber des musikalischen Teils der Liturgie in seiner gegenwärtigen Form zu sein, obwohl die Quellen, die Details zu seinem Beitrag geben, mehr als hundert Jahre nach seinem Tod stammen. Viele Gelehrte glauben, dass sein Ruf durch die Legende übertrieben wurde. Der größte Teil des Gesangsrepertoires wurde in den Jahrhunderten zwischen Gregor und Karl dem Großen anonym komponiert.

Im 9. Jahrhundert fanden mehrere wichtige Entwicklungen statt., Erstens gab es eine große Anstrengung der Kirche, die vielen Gesangstraditionen zu vereinen und viele von ihnen zugunsten der gregorianischen Liturgie zu unterdrücken. Zweitens wurde die früheste polyphone Musik gesungen, eine Form des parallelen Singens, die als Organum bekannt ist. Drittens und von größter Bedeutung für die Musikgeschichte wurde die Notation nach etwa fünfhundert Jahren neu erfunden, obwohl es noch einige Jahrhunderte dauern würde, bis sich ein System der Tonhöhen-und Rhythmusnotation mit der Präzision und Flexibilität entwickelte, die moderne Musiker für selbstverständlich halten.,

Mehrere Schulen der Polyphonie blühten in der Zeit nach 1100: die St.,organum, dessen Musik oft durch einen sich schnell bewegenden Teil über eine einzige anhaltende Linie gekennzeichnet war; die Polyphonieschule Notre Dame, zu der die Komponisten Léonin und Pérotin gehörten und die um 1200 die erste Musik für mehr als zwei Teile produzierte; der musikalische Schmelztiegel von Santiago de Compostela in Galizien, einem Pilgerziel und Ort, an dem Musiker aus vielen Traditionen im späten Mittelalter zusammenkamen, dessen Musik im Codex Calixtinus überlebt; und die englische Schule, deren Musik in den Worcester Fragmenten und der Old Hall Manuskript überlebt; und., Neben diesen Schulen der geistlichen Musik entwickelte sich eine lebendige Tradition des weltlichen Liedes, wie in der Musik der Troubadours, Trouvères und Minnesänger veranschaulicht. Ein Großteil der späteren weltlichen Musik der Frührenaissance entwickelte sich aus den Formen, Ideen und der musikalischen Ästhetik der Troubadoure, höfischen Dichter und Wandermusiker, deren Kultur während des albigensischen Kreuzzugs im frühen 13.Jahrhunderts entwickelten Formen der geistlichen Musik umfassten die Motette, Conductus, Discant und clausulae., Eine ungewöhnliche Entwicklung waren die Geisslerlieder, die Musik wandernder Flagellanten in zwei Perioden: Mitte des 13. Jahrhunderts (bis sie von der Kirche unterdrückt wurden); und die Zeit während und unmittelbar nach dem Schwarzen Tod, um 1350, als ihre Aktivitäten anschaulich aufgezeichnet und mit notierter Musik dokumentiert wurden. Ihre Musik mischte Volkslieder mit buß-oder apokalyptischen Texten., Jahrhundert in der europäischen Musikgeschichte wird durch den Stil der ars Nova dominiert, die durch Konvention mit dem Mittelalter in der Musik gruppiert, obwohl es viel gemeinsam mit Frührenaissance Ideale und Ästhetik hatte. Ein Großteil der überlebenden Musik der Zeit ist säkular und neigt dazu, die Formeski zu verwenden: die Ballade, die Virelai, die Lai, die Rondeau, die poetischen Formen gleichen Namens entsprechen. Die meisten Stücke in diesen Formen sind für ein bis drei Stimmen, wahrscheinlich mit instrumentaler Begleitung: berühmte Komponisten sind Guillaume de Machaut und Francesco Landini.,

Renaissance-musikEdit

Der Beginn der Renaissance in der Musik ist nicht so deutlich markiert wie der Beginn der Renaissance in den anderen Künsten, und im Gegensatz zu den anderen Künsten begann sie nicht in Italien, sondern in Nordeuropa, insbesondere in der Gegend, in der bestehend aus Mittel-und Nordfrankreich, den Niederlanden und Belgien., Der Stil der burgundischen Komponisten, wie die erste Generation der französisch-flämischen Schule bekannt ist, war zunächst eine Reaktion auf die übermäßige Komplexität und den manierierten Stil des ars subtilior aus dem späten 14. Jahrhunderts sind Guillaume Dufay, Gilles Binchois und Antoine Busnois die bekanntesten Komponisten der burgundischen Schule.,Jahrhunderts verbreiteten sich Komponisten und Sänger aus den niederen Ländern und angrenzenden Gebieten in ganz Europa, insbesondere nach Italien, wo sie bei der päpstlichen Kapelle und den aristokratischen Gönnern der Künste (wie den Medici, den Este und den Sforza-Familien) beschäftigt waren. Sie trugen ihren Stil mit sich: glatte Polyphonie, die gegebenenfalls für den heiligen oder weltlichen Gebrauch angepasst werden konnte. Hauptformen der sakralen Musikkomposition waren zu dieser Zeit die Messe, die Motette und die Laude; weltliche Formen umfassten den Chanson, die Frottola und später das Madrigal.,

Die Erfindung des Drucks hatte einen immensen Einfluss auf die Verbreitung von Musikstilen und trug zusammen mit der Bewegung der französisch-flämischen Musiker zur Etablierung des ersten wirklich internationalen Stils in der europäischen Musik seit der Vereinigung des gregorianischen Gesangs unter Karl dem Großen bei., Zu den Komponisten der mittleren Generation der französisch-flämischen Schule gehörten Johannes Ockeghem, der Musik in einem kontrapunktisch komplexen Stil mit unterschiedlicher Textur und einem ausgeklügelten Einsatz kanonischer Geräte schrieb; Jacob Obrecht, einer der berühmtesten Komponisten der Massen in den letzten Jahrzehnten des 15., Musik in der Generation nach Josquin erforschte die zunehmende Komplexität des Kontrapunkts; Möglicherweise ist der extremste Ausdruck in der Musik von Nicolas Gombert, dessen kontrapunktische Komplexität die frühe Instrumentalmusik wie die Canzona und die Ricercar beeinflusste und letztendlich in barocken Fugalformen gipfelte.,n zu brechen, und mehrere sehr unterschiedliche stilistische Trends wurden offensichtlich: ein Trend zur Einfachheit in der Kirchenmusik, wie durch die Gegenreformation Rat von Trent gerichtet, in der Musik von Giovanni Pierluigi da Palestrina beispielhaft; ein Trend zur Komplexität und Chromatik in der Madrigal, die ihren extremen Ausdruck in der Avantgarde-Stil der Ferrara Schule von Luzzaschi und dem späten Jahrhundert Madrigalist Carlo Gesualdo erreicht; und die grandiose, klangvolle Musik der venezianischen Schule, die die Architektur der Basilika San Marco di Venezia verwendet, um die antiphonale Kontraste., Die Musik der venezianischen Schule umfasste die Entwicklung von Orchestrierung, verzierten Instrumentalpartien und Continuo-Basspartien, die alle innerhalb mehrerer Jahrzehnte um 1600 stattfanden. Zu den berühmten Komponisten in Venedig gehörten die Gabrielis, Andrea und Giovanni sowie Claudio Monteverdi, einer der bedeutendsten Innovatoren am Ende der Ära.

Die meisten Teile Europas hatten Ende des Jahrhunderts aktive und differenzierte musikalische Traditionen., In England schrieben Komponisten wie Thomas Tallis und William Byrd geistliche Musik in einem ähnlichen Stil wie auf dem Kontinent, während eine aktive Gruppe einheimischer Madrigalisten die italienische Form an den englischen Geschmack anpasste: Berühmte Komponisten waren Thomas Morley, John Wilbye und Thomas Weelkes. Spanien entwickelte eigene Instrumental – und Gesangsstile, wobei Tomás Luis de Victoria raffinierte Musik ähnlich der von Palestrina schrieb und zahlreiche andere Komponisten für die neue Gitarre schrieben., Deutschland kultivierte polyphone Formen, die auf den protestantischen Chören aufbauten, die den römisch-katholischen Gregorianischen Gesang als Grundlage für sakrale Musik ersetzten, und importierte den Stil der venezianischen Schule (deren Aussehen den Beginn des Barock definierte). Darüber hinaus schrieben deutsche Komponisten enorme Mengen an Orgelmusik und bildeten die Grundlage für den späteren barocken Orgelstil, der im Werk von J. S. Bach gipfelte., Frankreich entwickelte einen einzigartigen Stil der musikalischen Diktion bekannt als musique mesurée, in säkularen Chansons verwendet, mit Komponisten wie Guillaume Costeley und Claude Le Jeune prominent in der Bewegung.

In den 1570er und 1580er Jahren fand in Florenz eine der revolutionärsten Bewegungen der Epoche statt, mit der Arbeit der Florentiner Camerata, die ironischerweise eine reaktionäre Absicht hatte: unzufrieden mit dem, was sie als zeitgenössische musikalische Verderbtheit betrachteten, war ihr Ziel, die Musik der alten Griechen wiederherzustellen. Chef unter ihnen waren Vincenzo Galilei, der Vater des Astronomen, und Giulio Caccini., Die Früchte ihrer Arbeit waren ein deklamatorischer melodischer Gesangsstil, der als Monodie bekannt war, und eine entsprechende inszenierte dramatische Form: eine Form, die heute als Oper bekannt ist. Die ersten Opern, um 1600 geschrieben, definieren auch das Ende der Renaissance und den Beginn der Barockzeit.

Musik vor 1600 war eher modal als tonal. Jahrhunderts, wie die Schriften auf Skalen über Modi von Gioseffo Zarlino und Franchinus Gaffurius, führten direkt zur Entwicklung der Tonalität der allgemeinen Praxis., Die Dur-und Moll-Tonleitern begannen über die alten Kirchenmodi zu dominieren, Ein Merkmal, das an kadentiellen Punkten in Kompositionen zunächst am offensichtlichsten war, aber allmählich durchdringend wurde. Musik nach 1600, beginnend mit der tonalen Musik des Barock, wird oft als zur üblichen Praxis gehörend bezeichnet.

Barockmusik >

Die Barockzeit fand von 1600 bis 1750 statt, als der barocke Kunststil in ganz Europa florierte und in dieser Zeit die Musik in ihrer Bandbreite und Komplexität expandierte. Barockmusik begann, als die ersten Opern (dramatische Solo-Vokalmusik begleitet von Orchester) geschrieben wurden. Während der Barockzeit blieb polyphone kontrapunktische Musik, in der mehrere, gleichzeitig unabhängige Melodielinien verwendet wurden, wichtig (Kontrapunkt war wichtig in der Vokalmusik des Mittelalters)., Deutsche, italienische, französische, niederländische, polnische, spanische, portugiesische und englische Barockkomponisten schrieben für kleine Ensembles wie Streicher, Blechbläser und Holzbläser sowie für Chöre und Tasteninstrumente wie Pfeifenorgel, Cembalo und Clavichord. Während dieser Zeit wurden mehrere wichtige Musikformen definiert, die in späteren Perioden andauerten, als sie erweitert und weiterentwickelt wurden, einschließlich der Fuge, der Erfindung, der Sonate und des Konzerts. Der spätbarocke Stil war polyphon komplex und reich verziert., Wichtige Komponisten des Barock sind Johann Sebastian Bach, Arcangelo Corelli, François Couperin, Girolamo Frescobaldi, Georg Friedrich Händel, Jean-Baptiste Lully, Claudio Monteverdi, Georg Philipp Telemann und Antonio Vivaldi.

Klassische Musik eraEdit

Die Musik der klassischen Periode zeichnet sich durch homophone Textur oder eine offensichtliche Melodie mit Begleitung aus. Diese neuen Melodien tendierten dazu, fast stimmig und singbar zu sein, so dass Komponisten tatsächlich Sänger als Schwerpunkt der Musik ersetzen konnten., Instrumentalmusik ersetzte daher schnell Oper und andere gesungene Formen (wie Oratorium) als Liebling des Musikpublikums und Inbegriff großer Komposition. Die Oper verschwand jedoch nicht: Während der Klassik begannen mehrere Komponisten, Opern für die breite Öffentlichkeit in ihren Muttersprachen zu produzieren (frühere Opern waren im Allgemeinen auf Italienisch).

Zusammen mit der allmählichen Verschiebung der Stimme zugunsten stärkerer, klarerer Melodien wurde der Kontrapunkt typischerweise auch zu einer dekorativen Blüte, die oft am Ende eines Werks oder für einen einzelnen Satz verwendet wurde. An seiner Stelle wurden einfache Muster wie Arpeggien und in der Klaviermusik Alberti Bass (eine Begleitung mit einem wiederholten Muster typischerweise in der linken Hand) verwendet, um die Bewegung des Stücks zu beleben, ohne eine verwirrende zusätzliche Stimme zu erzeugen., Die heute populäre Instrumentalmusik wurde von mehreren klar definierten Formen dominiert: der Sonate, der Symphonie und dem Konzert, obwohl keine davon zu der Zeit speziell definiert oder gelehrt wurde, wie sie jetzt in der Musiktheorie sind. Alle drei stammen aus der Sonatenform, die sowohl die darüberliegende Form eines ganzen Werkes als auch die Struktur eines einzigen Satzes ist. Sonatenform reifte während der klassischen Ära, um die primäre Form von Instrumentalkompositionen im Laufe des 19.,

Die frühe Klassik wurde von der Mannheimer Schule eingeleitet, zu der Komponisten wie Johann Stamitz, Franz Xaver Richter, Carl Stamitz und Christian Cannabich gehörten. Es übte einen tiefen Einfluss auf Joseph Haydn und durch ihn auf alle nachfolgenden europäischen Musik. Wolfgang Amadeus Mozart war die zentrale Figur der Klassik, und seine phänomenale und abwechslungsreiche Leistung in allen Genres definiert unsere Wahrnehmung der Zeit., Ludwig van Beethoven und Franz Schubert waren Übergangskomponisten, die mit ihrer Erweiterung bestehender Genres, Formen und sogar Funktionen der Musik in die Romantik führten.

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