Let Me Sleep Beside You (1967)
Eine abgelehnte Single, die schließlich auf einer Cash-In-Compilation von 1970 veröffentlicht wurde, Bowies erste Zusammenarbeit mit dem Produzenten Tony Visconti ist besser als alles andere auf seinem Debütalbum. Angetrieben von der akustischen Gitarre weist der Klang den Weg nach vorne und es gibt etwas verlockend Seltsames, sogar Unheimliches an den lyrischen Come-Ons: „Trage das Kleid, das deine Mutter trug.,“
I Would Be Your Slave (2001)
Einheitlich stark erstreckte sich das Songwriting auf Heathen vom Prosaischen – der Brief-an-Erwachsene-Sohn aller sagt Hallo – zum Verwirren. Sein Höhepunkt liegt irgendwo dazwischen: angeblich ein Liebeslied, das sich allmählich als über Gott offenbart. Die Melodie ist wunderschön, das Arrangement – sehr Visconti Streicher über elektronische Beats – perfekt abgestimmt.
Loving the Alien (1984)
Die einsame moment löste am 1984 inspiration-kostenlos heute Abend. Ein seltsames, wirklich großartiges Lied über Religion, erstickt durch Überproduktion., Ein Remix von 2018 hilft ein wenig, und die online verfügbaren Stripped-Back-00s-Live-Versionen sind noch besser. Die Demo-Version – viel gesprochen von Bowie in späteren Jahren-bleibt unerhört.
Jump They Say (1993)
Black & White Noise was nothing of the sort, but its first single was authentically fantastic. Nervöser, aber kommerzieller Funk wird von einer dunklen Lyrik unterboten, die zu Bowies psychisch kranken Halbbruder Terry zurückkehrte und diesmal über seinen Selbstmord von 1985 brütete.,
The London Boys (1966)
Bezeichnenderweise konzentrierte sich Bowies erster großer Song auf Outsiders. Eine starke, Messing-und holzbläserunterstützte Darstellung derer, die – wie Bowie selbst-mit der Nase gegen das Glas der Swinging London Party gedrückt wurden, Es fühlt sich an wie ein monochromes Küchenspül-Drama, das in drei Minuten komprimiert wird.
Fantastic Voyage (1979)
Das Album Lodger eröffnete mit dem Seltensten im Bowie-Kanon, einem Protestsong. Inspiriert vom anhaltenden Kalten Krieg und seiner damit verbundenen nuklearen Paranoia klingt seine Kombination aus Wut und Fatalismus immer noch relevant., Die Musik ist inzwischen im Wesentlichen eine sanfte Überarbeitung von Boys Keep Swinging: gleiche Tonart, gleiche Akkorde, nur langsamer.
Lady Stardust (1972)
Ziggy Stardust ‚ s most emotional beeinflussen moment ist einer der einfachsten songs., Angetrieben von Mick Ronsons Klavier, Es malt ein ergreifendes Bild wunderschön: Ein überdrehter Auftritt einer heißen neuen Band, Ein Mann in der Menge sieht traurig aus, als sein jüngerer Ex-Liebhaber zum Star wird. „Ich lächelte traurig für eine Liebe, der ich nicht gehorchen konnte.“
Seven Years in Tibet (1997)
An Bowies enthusiastischen Drum ‚ n ‚ bass Experimenten über Earthling lag etwas Bezauberndes, aber sein feinster Track hatte nichts mit ihnen zu tun: Bowie schlug vor, es sei inspiriert von 60s Soul und den Pixies., So oder so, seine Sprünge von unheimlicher Atmosphäre zu strahlendem, Wall-of-Noise-Chor sind wirklich berauschend: ein übersehener Triumph.
Something in the Air (1998)
Ein weiteres übersehenes Juwel der 90er Jahre, aus den kühl empfangenen Stunden, Etwas in der Luft ist sowohl schlaff als auch melancholisch. Die Texte sind voller Bedauern, der Gesang ausgetrocknet und schmerzte hinter einer liberalen Prise elektronischer Verzerrung – und, wenn es seinen Chor trifft, Hymne auf eine Weise, die auf alle jungen Typen hinweist.
Joe the Lion (1977)
Joe the Lion trotzt Erklärung., Sobald Sie die ersten Zeilen über den transgressiven selbstverstümmelnden Performance-Künstler Chris Burden hinter sich haben – „Sag dir, wer du bist, wenn du mich an mein Auto nagelst“ – machen die Texte praktisch keinen Sinn. Die Musik – bogenförmige, hektische atonale Gitarre und Kauderwelsch Backing Vocals – klingt verrückt; Bowie singt wie ein Mann am Rande eines Nervenzusammenbruchs. Es ist lächerlich aufregend.
Hallo Spaceboy (1995)
Nach einem Jahrzehnt, in dem Bowie den Mainstream umworben hatte, beabsichtigte er eindeutig, nach außen als großartiges künstlerisches Statement gesehen zu werden., Es fühlt sich gelegentlich ein bisschen mühsam an, aber seine Highlights stehen hoch im Kurs: Ein Weltraum-Kuriositäts-referenzierender Pet Shop Boys Remix war ein Hit, aber das Original von Hallo Spaceboy ist pummelig, chaotisch und hypnotisch.
ich Kann nicht Lesen (1989)
Tin Machine war eine hard-rock-Dummheit, die weitgehend noch nicht im Alter gut, aber ich Kann nicht Lesen, ist die Ausnahme, die die Regel bestätigt: eine brillante, gequält, selbst Hetze Studie der kreativen Trägheit hatte, überwältigt Bowie in den 80er Jahren, die über einem dichten wall of sheet metal-Gitarren und feedback.,
Rock ‚ n ‚Roll Suicide (1972)
Angeblich schien das tragische, französisch-Chanson-und-50s Pop-beeinflusste Finale der Ziggy Stardust-Geschichte, Rock‘ n ‚Roll Suicide‘ s epische Coda, eine andere, feierliche Bedeutung anzunehmen, als Bowies Star Rose, sein Heulen von „Du bist nicht allein / Gib mir deine Hände / Du bist wunderbar“ seine Wirkung auf seine fans.,
Bring Me the Disco King (2003)
Es gibt einen Sinn, in dem der Letzte track auf der Wirklichkeit, das Letzte album, das er vor seiner zehn Jahre lang „in den Ruhestand“, hätte funktioniert perfekt, wie Bowie ‚ s farewell: eine schöne, müde, unsicher und elegischen nachsinnen über den 70ern eingestellt Mike Garson unverwechselbaren Klavierspiel, mit dem Verschiebungen von hypnotischer zu spitzig und überraschend.
Immer im selben Auto abstürzen (1977)
„selbstmitleidenswerter Mist“, schnüffelte Bowie anschließend, der Ihnen mehr über seine mutlose Stimmung während Lows Aufnahme erzählt als das Lied selbst., Immer im selben Auto abstürzt, ist ein erhabener Splitter launischer Paranoia, mit abgelenkt klingenden Vocals, Elektronik, die abwechselnd Blase und Drohne, drahtig, effektbeladene Gitarre.
Stay (1976)
„It‘ s not the side-effects of the cocaine“, protestierte Bowie unkonventionell auf Station to Station Titeltrack, aber Stay – a straff, twitchy Funk-Rock Hybrid – hörbar war. Wie bei Station zu Station üblich, spiegelt sich das Chaos seiner Entstehung („a cocaine Frenzy“, laut Gitarrist Carlos Alomar) nicht im fertigen Produkt wider: Es ist perfekt ausgeglichen und selbstbewusst.,
Geknackt Schauspieler (1973)
Es ist eine Besondere Belastung von Bowie Lied von 1973/74, die klingt wie die Arbeit von jemandem, der hatte alle sex-und Drogen in der Welt auf einmal. Der Schauspieler kann das höchste Beispiel sein. Eine schmierige, bittere Explosion verzerrter Gitarre, die klingt, als wäre sie Sekunden vom Zusammenbruch entfernt, es ist sowohl intensiv als auch elektrisierend.
Moonage Daydream (1972)
Sie wollen nie für High-Drama-Rock-Hymnen auf den Aufstieg und Fall von Ziggy Stardust und die Spinnen vom Mars, aber Moonage Daydream ist das beste Beispiel., Es wechselt vom schrillen Ruf des Eröffnungsgitarrenakkords zu etwas Seltsamerem und Bedrohlicherem – seine abschließende Ermutigung zum „Ausflippen“ klingt nicht besonders einladend – und bietet ein atemberaubendes Mick Ronson-Gitarrensolo.
Diamond Dogs (1974)
Halloween Jack, die Persona Bowie, die von Diamond Dogs adoptiert wurde, hatte nie die gleiche kulturelle Wirkung wie Ziggy Stardust oder der dünne weiße Herzog., Das war kein Fehler des Titeltracks des Albums, ein treibender, überzeugender Sound, der gleichzeitig sinnlich und dunkel ist, wie sein beunruhigender Eröffnungsschrei zeigt: „Das ist kein Rock n‘ Roll,das ist … „
The Width of a Circle (1970)
Nicht alles auf Bowies selbstbewusst schwerem Album The Man Who Sold the World works, aber sein Eröffnungstrack ist bemerkenswert., Es beginnt mit einer Akustikgitarre, die 1969 vom David Bowie-Album abgestiegen sein könnte, bevor sie in etwas völlig anderes explodiert: ein achtminütiges homoerotisches Epos mit Ronson-Power, das mit einem neu gewonnenen Selbstvertrauen prahlt.
John, I ‚m Only Dancing (1972)
Als zu kontrovers angesehen, um in den USA veröffentlicht zu werden, John, I‘ m Only Dancing drehte die sexuellen Sitten der Ära munter auf den Kopf: In seinen Texten ist eine gerade Beziehung die schockierende, bedrohliche Aberration., Die Musik, inzwischen, sashays insouciantly entlang – in einem anderen inspirierten Stil, der Gitarren-Part wird von Alvin Cash 1968 Funk-Hit Keep on Dancing geklaut.
Der Buddha von Suburbia (1993)
Der Beweis, dass Bowie auf mysteriöse Weise arbeitete: Es dauerte eine BBC-Adaption von Hanif Kureishis Der Buddha von Suburbia, um ihn zur vollen schöpferischen Kraft zurückzubringen. Inmitten der Blackstar-präfigurierenden Free-Jazz-Experimente und Low-Esque-Instrumentals lauerte der fantastische, selbstreferenzielle Titeltrack, eine scharfe Zeichnung von Vorruhm Bowie, „screaming along in south London … ready to learn“.,
Fame (1975)
im der HUF in der studio – und angeblich gebaut von Bowie Schnitt eine Aufnahme von Alomar spielen ein cover des Flares‘ 1961 hit Fuß Stompin‘ – Fame ist eine fantastische slice of funk, gerendert nervy und seltsam durch die außerordentliche Lieferung von Texten, die nehmen eine voreingenommene Sicht auf die song-Thema: „Die Flamme, die brennt Ihre zu ändern, um Sie in den Wahnsinn.“
Scary Monsters (und Super Creeps) (1980)
Mit einer preposterously Bühne-y mockney vocal – „she ‚ad ‚orror Zimmer“ – Scary Monster‘ title track offenbar datiert aus den frühen 70er Jahren., Bowie hatte versucht, es Iggy Pop zu spenden, bevor er es überdenkte. Es ist der viszeral aufregendste Moment des Albums: rasend und aggressiv, es bedeckt alles von den Gitarren bis zu Bowies Stimme in Verzerrung.
Alle Young Dudes (1972)
Glam rock ‚ s unofficial national anthem., Alle jungen Jungs kündigten die Ankunft einer neuen Ära im Pop über eine Lou Reed-ish Besetzung von Charakteren – Crossdresser, Speed-Freaks, die über Selbstmord sprechen – und eine rechtzeitige, bemerkenswert übermütige Entlassung der Vergangenheit an: „Mein Bruder ist wieder zu Hause mit seinen Beatles und seinen Stones … was für ein Widerstand.“
Space Oddity (1969)
In seinem exzellenten Buch The Complete David Bowie stellt Nicholas Pegg fest, dass die episodische Space Oddity wie etwas klingt, das die Bee Gees der 60er Jahre an ihrem seltsamsten geschrieben haben könnten., Er hat absolut Recht, obwohl Bowie, wo die Bee Gees das Melodram gespielt hätten, seine Stimmung der Entfremdung mit leeren Augen, Raumzeitalter perfekt bewohnt.
Wo Sind Wir Jetzt? (2013)
Die Aufregung über Bowies überraschendes Wiederauftreten hat vielleicht dazu geführt, dass der nächste Tag etwas überbewertet wurde, aber seine besten Momente sind großartig, nicht zuletzt Wo sind wir jetzt?’s Erinnerung an Bowies späten 70er Jahren Aufenthalt in Berlin. Liebevoll, nostalgisch und seltsam zerbrechlich klingt es immer noch bewegend.,
der Mann, Der Verkauft die Welt (1970)
Es ist ein Lied, wurde in der Folge so dargestellt, als alles von pop-soul (von Lulu) zu verzweifelten akustischen Kommentar zur globalen Erfolg und punk-rock-Ethik (Nirvana), aber Bowie ‚ s original version, wurde niemals übertroffen. Der Titeltrack seines unheimlichsten Albums bleibt mysteriös, gruselig und eindringlich 50 Jahre später.
ich Kann nicht Geben Alles Weg (2016)
der Blackstar songs, deren Bedeutung sich plötzlich zog in konzentrieren, mit der Nachricht von Bowies Tod, keiner ist mehr beeinflussen als ich Kann nicht Geben Alles Weg., Die Musik ist herrlich lebhaft, aber es ist schwer, die Texte als etwas anderes als einen Mann zu sehen, der sich verabschiedet, das musikalische Zitat von Low ‚ s A New Career in a New Town, das perfekt beurteilt und ergreifend ist.
Fashion (1980)
Brillant klaustrophobischer, Reggae-beeinflusster Post-Punk-Funk, der die sich ständig ändernden Trends in der Welt der Hip-Hop-Szene ins Auge sticht. Der ironische Ton der Mode schien weitgehend vermisst zu werden, möglicherweise weil die Idee von David Bowie, ausgerechnet gegen sich ständig ändernde Trends zu protestieren, ehrlich gesagt ein bisschen reich war.,
The Bewlay Brothers (1971)
Es ist ein zwingendes argument, dass die unglaubliche Blüte der songwriting-talent auf Hunky Dory kann es Bowie ‚ s greatest Albums. Sein auffälligster Moment mag sein außergewöhnliches, rätselhaftes akustisches Finale sein-möglicherweise eine Darstellung von Bowies Beziehung zu seinem Halbbruder Terry -, die von becalmed über chilling bis hin zu wirklich beängstigend reicht.
The Jean Genie (1973)
Aladdin Sane Ziggy-goes-to-America Konzept in Miniatur, Der Jean Genie ist härter und sleazier als alles andere auf Ziggy Stardust – its I ‚ m A Man-ish Gitarrenriff und platzt der Mundharmonika klingen absolut schmutzig. Jeder, der dazu neigt, die Vergangenheit des Pop durch eine rosafarbene Brille zu betrachten, sollte beachten, dass sie von Jimmy Osmond ‚ s langhaarigem Liebhaber aus Liverpool ferngehalten wurde.,
Let ’s Dance (1983)
Der Unterschied zwischen Let‘ s Dance und Bowies anderen Popalben der 80er Jahre besteht darin, dass sein Herz darin war; Selbst wenn er größtenteils darauf aus war, Geld zu verdienen, bemühte er sich. Wenn sein Titeltrack seine vorübergehende Aufgabe der Avantgarde signalisierte, ist es immer noch ein großartiger Song, schwerer und fremder als sein globaler Smash-Status vermuten lässt.
Win (1975)
Eine Ballade in echoing drapiert, flattern sax, Win ist absolut wunderschön., Trotz Bowies Beharrlichkeit war es ein Angriff auf künstlerische Rivalen, die nicht hart genug gearbeitet haben, es ist etwas seltsam sexy daran, nicht zuletzt seine Lieferung der Linie: „Jemand wie Sie sollten keine Feuer beginnen dürfen.“
Rebel Rebel (1974)
Bowies fabelhafter, widersprüchlicher Abschied von Glam, Rebel Rebel ist im Wesentlichen ein liebevoller Gruß an die Kinder, die Bowie inspiriert hatte, ein metaphorischer Arm um die Schulter jedes jugendlichen Außenseiters, der jemals in einem Schlafzimmerspiegel posiert hatte. „You tacky thing“, singt er begeistert,“ you put them on “ – gesetzt zu einem der allzeit großartigen Rock-Riffs.,
Veränderungen (1971)
Eine perfekt geschrieben, unwiderstehlich mission-statement, das wenig beachtet an der Zeit Verpasst hat, endete eine von Bowie ‚ s most beloved songs. „Es heißt: ‚Schau, ich werde so schnell sein, du wirst nicht mit mir Schritt halten'“, erklärte er. Es würde als jugendliche Arroganz gelten, wäre es nicht für die Tatsache, dass seine spätere Karriere die Prahlerei langweilte.
Golden Years (1976)
Ein Moment geradliniger Freude inmitten des komplexen, unruhigen emotionalen Terrains von Station zu Station passt Golden Years perfekt zu seinem lyrischen Optimismus mit glitzerndem, schimmerndem Funk., Wie es geklungen hätte, wenn Bowies ursprünglicher Plan, den Song Elvis Presley zu geben, jedermanns Vermutung gewesen wäre.
Absolute Beginners (1985)
Das Thema zu Julien Tempels allgemein verhöhntem gleichnamigen Film Absolute Beginners könnte der Höhepunkt von Bowies kommerzieller Phase der 80er Jahre sein. Es ist ein stattliches, weitreichendes, unbestreitbares Liebeslied, das ihn mit dem Pianisten Rick Wakeman wiedervereinigte und – auf künstlerischer Ebene-bewies, dass Bowie immer noch unglaubliche Songs schreiben konnte, wenn er Lust dazu hatte.,
Boys Keep Swinging (1979)
Grüßte mit Enttäuschung auf den release des Mieters Ruf wuchs mit den Jahren. Es ist uneben, enthält aber einige unglaubliche Songs, nicht zuletzt Boys Keep Swinging, die die Art von klanglicher Überlastung, die bei „Heroes“ zu finden ist, zu einem sparky dreiminütigen Popsong verdichteten, komplett mit Texten, die geschickt, camply feierten Machismo.
Starman (1972)
Mehr einen kulturellen moment, als ein Lied., Starmans epochale Top-of-the-Pops-Performance ist wohl das berühmteste Musikstück der britischen Geschichte. Es ist eine Reihe überzeugender musikalischer Steals – zu gleichen Teilen T Rex, Somewhere Over the Rainbow und Blue Minks jüngster Hit Melting Pot (the Morse Code Guitar) – und eine dreiste Ankündigung von Bowies kommerzieller Wiedergeburt.
Drive-In Saturday (1973)
Glam doo-wop dekoriert mit Ausbrüchen von fizzing Synthesizer, Drive-In Saturday ist einer von Bowies größten Singles, trotz seiner eigentümlichen lyrischen Prämisse., In „about 2033“ hat der Atomkrieg dazu geführt, dass die Menschheit vergessen hat, wie man Sex hat, und sie müssen Verführungstechniken aus alten Filmen neu lernen. Unglaublich, angesichts seines Themas klingt das Lied ohnmächtig romantisch.
‚Tis a Pity She Was a Whore (2016)
Bevor Blackstar als der exquisit inszenierte letzte Akt der Rockgeschichte enthüllt wurde, klang es aufregend wie ein Neuanfang., Eine unerbittliche, intensive Drum-Loop mit Squalls von Sax verziert, Tis Schade, dass sie eine Hure war, war anders als alles, was Bowie zuvor getan hatte. Sein letzter jubelnder Whoop deutet darauf hin, dass er genau wusste, wie großartig es war.
Oh! You Pretty Things (1971)
Fast von Anfang an gab es eine apokalyptische Belastung in Bowies Songwriting-siehe We Are Hungry Men von seinem Debüt 1967-aber es wurde nie schöner ausgedrückt als auf Oh! You Pretty Things, ein Lied, das eine unglaublich düstere Botschaft an eine Melodie setzt, die so schön ist, dass sie vom Leadsänger von Hermans Hermits abgedeckt werden könnte.,
Young Americans (1975)
Young Americans repräsentiert den Punkt in Bowies Karriere, an dem es offensichtlich wurde, dass er praktisch jedes Musikgenre aufnehmen und seinem Willen beugen konnte. Ein weißer britischer Rockstar, der den luftigen, prächtigen Sound von Philly Soul annimmt, hätte überhaupt nicht funktionieren sollen,aber es tat es lebensbejahend.
Sweet Thing/Candidate/Sweet Thing (Reprise) (1974)
Das medley auf Seite eins von Diamond Dogs ist das album, das kranke Herz, sieben Minuten Musik, die rock-glam so weit, wie es gehen könnte., Es ist so dekadent und krank klingend, dass es schwer vorstellbar gewesen sein muss, wohin Bowie als nächstes gehen könnte. Wie sich herausstellte, fing er gerade erst an.
„Heroes“ (1977)
Seine posthume erhebend-sportlich-Montage-Soundtrack Allgegenwart bedeutet, dass es leicht zu vergessen ist, was für ein seltsames, mehrdeutiges Lied Heroes ist – es hat metaphorisch die Anführungszeichen um seinen Titel verloren. Aber vielleicht ist das eine Hommage an Bowies Marke der Alchemie: Nur er konnte sechs Minuten pulsierendes elektronisches Rauschen, heulende Gitarren und schreienden Gesang in eine Allzweckhymne verwandeln.,
Leben auf dem Mars? (1971)
Ein nicht-weiter-Fragen Meisterwerk, gestärkt durch Ronsons fantastische string-arrangement, das Leben Auf dem Mars?der verwirrende Bilderstrom trotzt fast der Erklärung, könnte aber Bowies erster Clarion-Aufruf an Suburban Misfits sein. Es sagt viel über die schiere Kraft seiner Melodie aus, dass ein Lied, das so lyrisch undurchdringlich ist, so beliebt geworden ist.,
Station zu Station (1976)
Auf eigene Rechnung so außer Kontrolle, dass er sich nicht einmal daran erinnern konnte, es aufgenommen zu haben, erfand Bowie es irgendwie, Station zu Station zu einem Werk von großartiger Kraft und Konzentration zu machen, wie der lange Titeltrack zeigt. Der Wechsel in den zweiten Teil – „Einmal gab es Berge und Berge“ – ist wohl der spannendste Moment in seinem gesamten Katalog.
Ashes to Ashes (1980)
Ashes to Ashes ist einer jener Momente in Bowies Katalog, in denen die richtige Antwort darin besteht, zurückzutreten und sich in Ehrfurcht zu verfangen., Vermutlich eine Darstellung seines Autors in seinem unter Drogen stehenden Nadir Mitte der 70er Jahre, alles daran-verweilende Kuriosität seines Klangs, seine ständig wechselnde Melodie und sein emotionaler Tenor, seine abwechselnd selbstmythologisierenden und selbstzweifelnden Texte-ist perfekt.
Sound and Vision (1977)
Kommissionierung Bowie ‚ s 50 best songs ist eine undankbare Aufgabe., Sein Rückenkatalog ist so reich, dass Sie unweigerlich so gut wie die, die Sie dabei ausgewählt haben, die Spuren verlieren müssen: Queen Bitch, Suffragette City, Be My Wife, Dollar Days. Die Auswahl seines Besten ist noch schlimmer, aber Sound und Vision sind sowohl ein fantastischer Popsong als auch ein Akt künstlerischer Kühnheit. Eine dreiminütige Hit-Single, die erst auf halbem Weg einen Lead-Vocal enthält, Es verdreht eine mutlose Lyrik in etwas Erhebendes und überschreitet musikalisch die Zeit. Völlig originell, nichts an seinem Sound bindet es an die Mitte der 70er Jahre. Seine Magie scheint Bowie zusammenzufassen.,
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