Storia della musica

Medievale musicEdit

Mentre la vita musicale è stato indubbiamente ricche nel medioevo, come attestano rappresentazioni artistiche strumenti, scritti sulla musica e altri documenti, il solo repertorio di musica che è sopravvissuto prima di 800 ai nostri giorni, è il plainsong musica liturgica della Chiesa Cattolica Romana, la maggior parte dei quali è chiamato canto Gregoriano., Papa Gregorio I, che ha dato il suo nome al repertorio musicale e potrebbe essere stato egli stesso un compositore, di solito è affermato di essere il creatore della parte musicale della liturgia nella sua forma attuale, anche se le fonti che danno dettagli sul suo contributo data da più di cento anni dopo la sua morte. Molti studiosi ritengono che la sua reputazione sia stata esagerata dalla leggenda. La maggior parte del repertorio di canto è stato composto in forma anonima nei secoli tra il tempo di Gregorio e Carlo Magno.

Nel corso del ix secolo si sono verificati diversi importanti sviluppi., In primo luogo, ci fu un grande sforzo da parte della Chiesa per unificare le molte tradizioni di canto, e sopprimere molti di loro a favore della liturgia gregoriana. In secondo luogo, la prima musica polifonica è stata cantata, una forma di canto parallelo noto come organum. Terzo, e di più grande importanza per la storia della musica, notazione è stata reinventata dopo un intervallo di circa cinquecento anni, anche se sarebbe stato molti più secoli prima di un sistema di tono e ritmo notazione evoluta avendo la precisione e la flessibilità che i musicisti moderni danno per scontato.,

Diverse scuole di polifonia fiorirono nel periodo successivo al 1100: la St.,ol di organum, la cui musica è stata spesso caratterizzata da una rapida parte in movimento su una singola linea sostenuta; la cattedrale di Notre Dame school di polifonia, che comprendeva i compositori Léonin e Pérotin, e che ha prodotto la prima musica per più di due parti intorno al 1200; il musical melting-pot di Santiago de Compostela, in Galizia, una meta di pellegrinaggio e luogo dove musicisti provenienti da molte tradizioni si sono riuniti nel tardo Medioevo, la musica di cui sopravvive nel Codex Calixtinus; e la scuola di inglese, la musica di cui sopravvive il Worcester Frammenti e la Vecchia Sala Manoscritto., Accanto a queste scuole di musica sacra si sviluppò una vibrante tradizione di canto profano, come esemplificato nella musica dei trovatori, dei trovatori e dei Minnesänger. Gran parte della musica profana successiva del primo Rinascimento si è evoluto dalle forme, idee, e l ” estetica musicale dei trovatori, poeti cortesi e musicisti itineranti, la cui cultura è stata in gran parte sterminato durante la crociata albigese nei primi anni del 13 ° secolo.

Forme di musica sacra che si è sviluppata durante la fine del 13 ° secolo incluso il mottetto, conductus, discant, e clausulae., Uno sviluppo insolito è stato il Geisslerlieder, la musica di bande erranti di flagellanti durante due periodi: la metà del 13 ° secolo (fino a quando non furono soppressi dalla Chiesa); e il periodo durante e subito dopo la Peste nera, intorno al 1350, quando le loro attività sono state vividamente registrate e ben documentate con musica notata. La loro musica mescolava stili di canzoni popolari con testi penitenziali o apocalittici., Il 14 ° secolo nella storia della musica europea è dominato dallo stile dell’ars nova, che per convenzione è raggruppato con l’era medievale nella musica, anche se aveva molto in comune con gli ideali e l’estetica del primo Rinascimento. Gran parte della musica superstite del tempo è laica, e tende ad utilizzare le correzioni formes: la ballata, il virelai, il lai, il rondeau, che corrispondono a forme poetiche con gli stessi nomi. La maggior parte dei pezzi in queste forme sono da una a tre voci, probabilmente con accompagnamento strumentale: compositori famosi includono Guillaume de Machaut e Francesco Landini.,

Rinascimentale musicEdit

L’inizio del Rinascimento in musica non è chiaramente contrassegnato come l’inizio del Rinascimento in altre arti, e a differenza delle altre arti, non iniziare in Italia, ma nell’Europa settentrionale, in particolare nella zona attualmente composto da centrale e nel nord della Francia, in Olanda e in Belgio., Lo stile dei compositori borgognoni, come è conosciuta la prima generazione della scuola franco-fiamminga, era in un primo momento una reazione contro l’eccessiva complessità e stile educato della fine del 14 ° secolo ars subtilior, e conteneva chiara, melodia cantabile e polifonia equilibrata in tutte le voci. I compositori più famosi della scuola borgognona nella metà del 15 ° secolo sono Guillaume Dufay, Gilles Binchois e Antoine Busnois.,

Verso la metà del xv secolo, compositori e cantanti provenienti dai Paesi Bassi e dalle aree adiacenti iniziarono a diffondersi in tutta Europa, specialmente in Italia, dove furono impiegati dalla cappella papale e dai patroni aristocratici delle arti (come i Medici, gli Este e gli Sforza). Hanno portato il loro stile con loro: polifonia liscia che potrebbe essere adattato per uso sacro o secolare a seconda dei casi. Le principali forme di composizione musicale sacra all’epoca erano la messa, il mottetto e la laude; le forme profane includevano la chanson, la frottola e in seguito il madrigale.,

L’invenzione della stampa ha avuto un’immensa influenza sulla diffusione degli stili musicali, e insieme al movimento dei musicisti franco-fiamminghi, ha contribuito alla creazione del primo stile veramente internazionale nella musica europea dall’unificazione del canto gregoriano sotto Carlo Magno., I compositori della generazione di mezzo Franco-Fiamminga incluso Johannes Ockeghem, che ha scritto la musica, in una contrappuntisticamente complesso in stile, con varie texture e un elaborato uso di canonica dispositivi; Jacob Obrecht, uno dei più famosi compositori di masse negli ultimi decenni del 15 ° secolo; e Josquin des Prez, probabilmente il più famoso compositore in Europa prima di Palestrina, e che durante il 16 ° secolo era conosciuto come uno dei più grandi artisti in qualsiasi forma., La musica della generazione successiva a Josquin esplorò la crescente complessità del contrappunto; forse l’espressione più estrema è nella musica di Nicolas Gombert, le cui complessità contrappuntistiche influenzarono la prima musica strumentale, come la canzona e il ricercar, culminando in forme fugali barocche.,n abbattere, e diverse molto diverse tendenze stilistiche divenne evidente: una tendenza alla semplicità di musica sacra, come indicato dalla controriforma il Concilio di Trento, esemplificato nella musica di Giovanni Pierluigi da Palestrina; una tendenza verso la complessità e la cromatismo del madrigal, che ha raggiunto la sua espressione estrema in stile avant-garde del comune di Ferrara, Scuola di Luzzaschi e la fine del secolo madrigalista Carlo Gesualdo; e il grandioso, sonora musicale della scuola Veneziana, che ha utilizzato l’architettura della Basilica di San Marco di Venezia per creare antiphonal contrasti., La musica della scuola veneziana comprendeva lo sviluppo dell’orchestrazione, parti strumentali ornate e parti di basso continuo, tutte avvenute in un arco di diversi decenni intorno al 1600. Tra i compositori più famosi a Venezia si annoverano i Gabrieli, Andrea e Giovanni, oltre a Claudio Monteverdi, uno dei più significativi innovatori della fine dell’epoca.

La maggior parte delle parti d’Europa aveva tradizioni musicali attive e ben differenziate alla fine del secolo., In Inghilterra, compositori come Thomas Tallis e William Byrd scrissero musica sacra in uno stile simile a quello scritto nel continente, mentre un gruppo attivo di madrigalisti locali adattò la forma italiana per i gusti inglesi: famosi compositori includevano Thomas Morley, John Wilbye e Thomas Weelkes. La Spagna sviluppò stili strumentali e vocali propri, con Tomás Luis de Victoria che scrisse musica raffinata simile a quella di Palestrina, e numerosi altri compositori che scrissero per la nuova chitarra., La Germania coltivò forme polifoniche costruite sui corali protestanti, che sostituirono il canto gregoriano cattolico romano come base per la musica sacra, e importò lo stile della scuola veneziana (il cui aspetto definì l’inizio dell’era barocca lì). Inoltre, i compositori tedeschi scrissero enormi quantità di musica per organo, stabilendo le basi per il successivo stile organistico barocco che culminò nel lavoro di J. S. Bach., La Francia sviluppò uno stile unico di dizione musicale noto come musique mesurée, usato nelle chansons profane, con compositori come Guillaume Costeley e Claude Le Jeune prominenti nel movimento.

Uno dei movimenti più rivoluzionari dell’epoca ebbe luogo a Firenze negli anni 1570 e 1580, con l’opera dei Camerata fiorentini, che ironicamente avevano un intento reazionario: insoddisfatti di quelle che vedevano come depravazioni musicali contemporanee, il loro obiettivo era quello di ripristinare la musica degli antichi greci. Tra questi, Vincenzo Galilei, padre dell’astronomo, e Giulio Caccini., Il frutto delle loro fatiche era uno stile di canto melodico declamatorio noto come monodia, e una corrispondente forma drammatica messa in scena: una forma conosciuta oggi come opera. Le prime opere, scritte intorno al 1600, definiscono anche la fine del Rinascimento e l’inizio dell’era barocca.

La musica prima del 1600 era modale piuttosto che tonale. Diversi sviluppi teorici alla fine del xvi secolo, come gli scritti sulle scale sui modi di Gioseffo Zarlino e Franchinus Gaffurius, hanno portato direttamente allo sviluppo della tonalità pratica comune., La scala maggiore e minore ha cominciato a predominare sulla vecchia chiesa modalità, una caratteristica che è stato in un primo momento più evidente in punti cadenziali in composizioni, ma a poco a poco è diventato pervasivo. La musica dopo il 1600, a partire dalla musica tonale dell’era barocca, viene spesso definita appartenente al periodo di pratica comune.

Musica barocchiamodifica

Insieme allo spostamento graduale della voce a favore di melodie più forti e chiare, il contrappunto divenne tipicamente un fiorire decorativo, spesso usato verso la fine di un’opera o per un singolo movimento. Al suo posto, semplici motivi, come gli arpeggi e, nella musica per pianoforte, il basso Alberti (un accompagnamento con un motivo ripetuto tipicamente nella mano sinistra), sono stati usati per ravvivare il movimento del pezzo senza creare una voce aggiuntiva confusa., La musica strumentale ora popolare era dominata da diverse forme ben definite: la sonata, la sinfonia e il concerto, sebbene nessuna di queste fosse specificamente definita o insegnata all’epoca come lo sono ora nella teoria musicale. Tutti e tre derivano dalla forma sonata, che è sia la forma sovrastante di un’intera opera che la struttura di un singolo movimento. Forma Sonata maturato durante l’era classica per diventare la forma primaria di composizioni strumentali in tutto il 19 ° secolo.,

Il primo periodo classico fu inaugurato dalla Scuola di Mannheim, che includeva compositori come Johann Stamitz, Franz Xaver Richter, Carl Stamitz e Christian Cannabich. Esercitò una profonda influenza su Joseph Haydn e, attraverso di lui, su tutta la musica europea successiva. Wolfgang Amadeus Mozart era la figura centrale del periodo classico, e la sua produzione fenomenale e varia in tutti i generi definisce la nostra percezione del periodo., Ludwig van Beethoven e Franz Schubert sono stati compositori di transizione, che porta nel periodo romantico, con la loro espansione dei generi esistenti, forme, e anche le funzioni della musica.

Romantico musicEdit

Nel periodo Romantico, la musica è diventata più espressiva ed emozionale, in espansione per comprendere la letteratura, l’arte, e la filosofia., Tra i primi compositori romantici si ricordano Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini, Donizetti e Berlioz. La fine del 19 ° secolo ha visto una drammatica espansione delle dimensioni dell’orchestra, e nel ruolo di concerti come parte della società urbana. Famosi compositori della seconda metà del secolo includono Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Tchaikovsky, Verdi e Wagner. Tra il 1890 e il 1910, una terza ondata di compositori tra cui Grieg, Dvořák, Mahler, Richard Strauss, Puccini e Sibelius si basò sul lavoro di compositori romantici medi per creare opere musicali ancora più complesse e spesso molto più lunghe., Un segno di spicco della musica tardo 19 ° secolo è il suo fervore nazionalista, come esemplificato da figure come Dvořák, Sibelius, e Grieg. Altri importanti personaggi della fine del secolo includono Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninoff, Franck, Debussy e Rimsky-Korsakov.

Musica del XX e xxi secoloModifica

Anche la musica di tutti i tipi divenne sempre più portatile., Il 20 ° secolo ha visto una rivoluzione nell’ascolto della musica come la radio ha guadagnato popolarità in tutto il mondo e nuovi media e tecnologie sono state sviluppate per registrare, catturare, riprodurre e distribuire musica. Le esibizioni musicali sono diventate sempre più visive con la trasmissione e la registrazione delle esibizioni.

la musica del xx secolo ha portato una nuova libertà e un’ampia sperimentazione con nuovi stili e forme musicali che hanno sfidato le regole accettate della musica dei periodi precedenti., L’invenzione dell’amplificazione musicale e degli strumenti elettronici, in particolare il sintetizzatore, a metà del 20 ° secolo rivoluzionò la musica classica e popolare e accelerò lo sviluppo di nuove forme di musica.

Per quanto riguarda la musica classica, due scuole fondamentali hanno determinato il corso del secolo: quella di Arnold Schoenberg e quella di Igor Stravinsky.