Let Me Sleep Beside You (1967)
Un singolo rifiutato finalmente pubblicato su una compilation cash-in del 1970, la prima collaborazione di Bowie con il produttore Tony Visconti è meglio di qualsiasi altra cosa sul suo album di debutto. Guidato dalla chitarra acustica, il suo suono indica la strada da percorrere e c’è qualcosa di interessante strano, persino sinistro nei coming-on lirici: “Indossa il vestito che indossava tua madre.,”
I Would Be Your Slave (2001)
Uniformemente forte, il songwriting su Heathen si estendeva dal prosaico – the letter-to-adult-son of Everyone Says Hi – to the sconcertante. Il suo punto culminante si trova da qualche parte tra: apparentemente una canzone d ” amore che a poco a poco si rivela essere su Dio. La melodia è bellissima, l’arrangiamento – molto visconteo su ritmi elettronici – perfettamente in bilico.
Loving the Alien (1984)
Il momento solitario che ha scatenato il 1984 di inspiration-free Tonight. Una strana, genuinamente grande canzone sulla religione soffocata dalla sovrapproduzione., Un remix del 2018 aiuta un po ‘ le cose, e le versioni live degli 00 disponibili online sono ancora migliori. La versione demo – molto parlato da Bowie negli anni successivi – rimane inascoltata.
Jump They Say (1993)
Salutato come un ritorno alla forma di picco sul rilascio, Black Tie White Noise non era nulla del genere, ma il suo primo singolo era autenticamente fantastico. Il funk nervoso ma commerciale è sottovalutato da una lirica oscura che è tornata al soggetto del fratellastro malato di mente di Bowie Terry, questa volta meditando sul suo suicidio del 1985.,
The London Boys (1966)
Significativamente, la prima grande canzone di Bowie incentrata sugli outsiders. Una rappresentazione stark, ottone-e fiato assistito di quelli-come Bowie stesso-lasciato con il naso premuto contro il vetro della festa Swinging London, ci si sente come un dramma monocromatico cucina-lavello compresso in tre minuti.
Fantastic Voyage (1979)
L’album Lodger si aprì con quella cosa più rara nel canone Bowie, una canzone di protesta. Ispirato dalla guerra fredda in corso e dalla sua paranoia nucleare, la sua combinazione di rabbia e fatalismo sembra ancora pertinente., La musica nel frattempo è essenzialmente una delicata rielaborazione di Boys Keep Swinging: stessa chiave, stessi accordi, solo più lento.
Lady Stardust (1972)
Il momento più emozionante di Ziggy Stardust è una delle sue canzoni più semplici., Guidato dal pianoforte di Mick Ronson, dipinge un quadro struggente splendidamente: un concerto overhyped da una nuova band caldo, un uomo tra la folla tristemente guardando come il suo giovane ex-amante diventa una star. “Sorrisi tristemente per un amore a cui non potevo obbedire.”
Seven Years in Tibet (1997)
C’era qualcosa di affascinante negli entusiastici esperimenti di drum’n’bass di Bowie su Earthling, ma la sua traccia più bella non aveva nulla a che fare con loro: Bowie suggerì che fosse ispirato al soul degli anni ‘ 60 e ai Pixies., In entrambi i casi, i suoi salti da atmosfere inquietanti a brillamento, coro muro di rumore sono davvero esilaranti: un trionfo trascurato.
Something in the Air (1998)
Un altro gioiello degli anni ‘ 90 trascurato, dalle ore freddamente ricevute, Something in the Air è allo stesso tempo limpido e malinconico. I testi sono pieni di rammarico, la voce riarsa e addolorata dietro una spolverata liberale di distorsione elettronica – e, quando colpisce il suo ritornello, anthemic in un modo che allude a tutti i giovani Tizi.
Joe il Leone (1977)
Joe il Leone sfida la spiegazione., Una volta superate le battute di apertura sul trasgressivo artista di performance auto-mutilante Chris Burden – “Ti dico chi sei se mi inchiodi alla mia auto” – i testi non hanno praticamente alcun senso. La musica – arcing, frenetica chitarra atonale e cori senza parole-suona squilibrato; Bowie canta come un uomo sull’orlo di un esaurimento nervoso. È ridicolmente eccitante.
Hallo Spaceboy (1995)
Dopo un decennio trascorso a corteggiare il mainstream, Bowie intendeva chiaramente che l’esterno fosse visto come una grande affermazione artistica., A volte sembra un po ‘ faticoso, ma i suoi punti salienti sono alti: un remix di Pet Shop Boys che fa riferimento a Space Oddity è stato un successo, ma l’originale di Hallo Spaceboy è pummelling, caotico e ipnotico.
I Can’t Read (1989)
Tin Machine era una follia hard rock che in gran parte non è invecchiata bene, ma I Can’t Read è l’eccezione che dimostra la regola: uno studio brillante, agonizzante, autoadescante dell’inerzia creativa che aveva travolto Bowie negli anni ‘ 80, su un fitto muro di chitarre in lamiera e feedback.,
Rock’n’Roll Suicide (1972)
Apparentemente tragica, francese chanson-e-pop anni ‘ 50-influenzato finale per il Ziggy Stardust storia, Rock’n’Roll Suicide epico di coda sembrava assumere un diverso significato celebrativo come Bowie stelle, rose, il suo urlo di “non Siete soli / dammi le tue mani / che Tu sei meravigliosa” riassumendo il suo effetto sui suoi fan.,
Bring Me the Disco King (2003)
C’è un senso in cui la traccia finale di Reality, l’ultimo album che ha realizzato prima del suo decennale “pensionamento”, avrebbe funzionato perfettamente come addio di Bowie: una bella, stanca, incerta ed elegiaca ruminazione degli anni’ 70, impostata sul caratteristico pianoforte di Mike Garson, che passa da ipnotico a appuntito e sorprendente.
Always Crashing in the Same Car (1977)
“Self-pitying crap”, annusò Bowie in seguito, il che ti dice di più sul suo umore scoraggiato durante la registrazione di Low rispetto alla canzone stessa., Always Crashing in the Same Car è una sublime scheggia di lunatica paranoia, con voci dal suono distratto, elettronica che alternativamente bolla e drone, chitarra filante e carica di effetti.
Stay (1976)
“Non sono gli effetti collaterali della cocaina”, Bowie protestò senza convinzione sulla title track di Station to Station, ma Stay-un ibrido funk – rock teso e nervoso-era udibile. Come al solito con Station to Station, il caos della sua creazione (”a cocaine frenzy”, secondo il chitarrista Carlos Alomar) non si riflette nel prodotto finito: è perfettamente in bilico e sicuro di sé.,
Cracked Actor (1973)
C’è una particolare varietà della canzone di Bowie del 1973/74 che suona come il lavoro di qualcuno che ha avuto tutto il sesso e le droghe del mondo in una volta. Cracked Attore può essere l’esempio supremo. Una squallida, amara esplosione di chitarra distorta che suona come se fosse a pochi secondi dal collasso, è allo stesso tempo intensa ed elettrizzante.
Moonage Daydream (1972)
Non si vuole mai per high-drama rock inni sull’ascesa e la caduta di Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, ma Moonage Daydream è il miglior esempio., Passa dalla chiamata stridente dell’accordo di chitarra di apertura a qualcosa di più strano e più inquietante – il suo incoraggiamento conclusivo a “freak out” non sembra particolarmente invitante – e presenta un assolo di chitarra Mick Ronson strabiliante.
Diamond Dogs (1974)
Halloween Jack, il personaggio adottato da Bowie su Diamond Dogs, non ha mai goduto dello stesso impatto culturale di Ziggy Stardust o the Thin White Duke., Non era colpa della title track dell’album, un puntone propulsivo e avvincente che è contemporaneamente sensuale e oscuro, come dimostra il suo preoccupante grido di apertura: “Questo non è rock n’ roll, questo è genocide genocidio!”
The Width of a Circle (1970)
Non tutto sull’album autocosciente di Bowie The Man Who Sold the World funziona, ma la sua traccia di apertura è notevole., Si apre con una chitarra acustica che potrebbe essere uscita dall’album di David Bowie del 1969, prima di esplodere in qualcosa di completamente diverso: un’epopea omoerotica di otto minuti alimentata da Ronson che si spaventa con una ritrovata sicurezza.
John, I’m Only Dancing (1972)
Considerato troppo controverso per essere pubblicato negli Stati Uniti, John, I’m Only Dancing ha allegramente trasformato i costumi sessuali dell’epoca in testa: nei suoi testi, una relazione retta è l’aberrazione scioccante e minacciosa., La musica, nel frattempo, si muove in modo insouciente – in un altro furto ispirato, la parte di chitarra viene strappata dal successo funk di Alvin Cash del 1968 Keep on Dancing.
The Buddha of Suburbia (1993)
Prova che Bowie ha lavorato in modi misteriosi: ci è voluto un adattamento BBC Two di The Buddha of Suburbia di Hanif Kureishi per riportarlo al pieno potere creativo. Tra i Blackstar-prefigurando esperimenti free-jazz e strumentali Low-esque in agguato la fantastica, title track autoreferenziale, un disegno acuto di pre-fama Bowie, “screaming along in south London ready ready to learn”.,
Fame (1975)
Realizzato su zoccolo in studio – e presumibilmente costruito da Bowie il taglio di una registrazione di Alomar suonare una cover di Razzi’ 1961 colpito Foot Stompin’ – Fame è una fantastica fetta di funk, reso spigolosa e strano dal dolenti per la consegna dei testi che prendere un itterico vista la canzone tema: “La fiamma che brucia la modifica per mantenere pazzi.”
Scary Monsters (and Super Creeps) (1980)
Vantando una voce assurda di mockney-” she ’ad an ’orror of rooms ” – La title track di Scary Monsters apparentemente risale ai primi anni’ 70., Bowie aveva tentato di donarlo a Popy Pop, prima di riconsiderare. È il momento più visceralmente emozionante dell’album: frenetico e aggressivo, ricopre tutto, dalle chitarre alla voce di Bowie in distorsione.
Tutti i giovani Dudes (1972)
Inno nazionale non ufficiale del Glam rock., Tutti i giovani hanno annunciato l’arrivo di una nuova era nel pop attraverso un cast di personaggi di Lou Reed-ish – cross-dressers, freaks di velocità che parlano di suicidio – e un licenziamento tempestivo e straordinariamente arrogante del passato: “Mio fratello è tornato a casa con i suoi Beatles e le sue Pietre.che resistenza.”
Space Oddity (1969)
Nel suo eccellente libro The Complete David Bowie, Nicholas Pegg nota che l’episodica Space Oddity suona come qualcosa che i Bee Gees degli anni ‘ 60 potrebbero aver scritto al loro più strano., Ha assolutamente ragione, anche se dove i Bee Gees avrebbero suonato il melodramma, Bowie abita perfettamente il suo stato d’animo di alienazione spaziale e spaziale.
Dove siamo adesso? (2013)
L’eccitazione per il riemergere a sorpresa di Bowie ha forse causato il giorno dopo un po ‘ sopravvalutato, ma i suoi momenti migliori sono magnifici, non ultimo Dove siamo ora?il ricordo del soggiorno di Bowie alla fine degli anni ‘ 70 a Berlino. Affettuoso, nostalgico e stranamente fragile, suona ancora in movimento.,
The Man Who Sold the World (1970)
È una canzone che è stata successivamente resa come tutto, dal pop-soul (di Lulu) al disperato commento acustico sul successo globale e sull’etica punk rock (Nirvana), ma la versione originale di Bowie non è mai stata migliorata. La title track del suo album più inquietante rimane misteriosa, raccapricciante e inquietante 50 anni dopo.
I Can’t Give Everything Away (2016)
Delle canzoni dei Blackstar il cui significato si è improvvisamente messo a fuoco con la notizia della morte di Bowie, nessuna è più commovente di I Can’t Give Everything Away., La musica è gloriosamente vivace, ma è difficile vedere i testi come qualcosa di diverso da a man bidding farewell, la citazione musicale di A New Career in a New Town di Low perfettamente giudicata e struggente.
Moda (1980)
Brillantemente claustrofobico, reggae influenzato post-punk funk che getta un occhio itterico sulle tendenze in continua evoluzione nel mondo della moda. Il tono ironico della moda sembrava essere in gran parte mancato, forse perché l’idea di David Bowie, di tutte le persone, che protestava per le tendenze in continua evoluzione era francamente un po ‘ ricca.,
The Bewlay Brothers (1971)
C’è un argomento convincente che l’incredibile fioritura del talento di songwriting su Hunky Dory potrebbe renderlo il più grande album di Bowie. Il suo momento più sorprendente potrebbe essere il suo straordinario, enigmatico finale acustico-forse una rappresentazione del rapporto di Bowie con il suo fratellastro Terry-che va da becalmed a agghiacciante a sinceramente spaventoso.
Il Jean Genie (1973)
Il concetto di Ziggy-goes-to-America di Aladdin Sane in miniatura, Il Jean Genie è più duro e squallido di qualsiasi cosa su Ziggy Stardust – il suo sono un riff di chitarra Man-ish e raffiche di armonica suono assolutamente sporco. Chiunque sia incline a vedere il passato di pop attraverso gli occhiali colorati di rosa dovrebbe notare che è stato tenuto fuori n. 1 dall’amante dai capelli lunghi di Jimmy Osmond di Liverpool.,
Let’s Dance (1983)
La differenza tra Let’s Dance e gli altri album pop degli anni ‘ 80 di Bowie è che il suo cuore era in esso; anche se era in gran parte fuori per fare soldi, ha fatto uno sforzo. Se la sua title track segnalava il suo temporaneo abbandono dell’avanguardia, è ancora una canzone superba, più nervosa e più strana di quanto il suo status di smash globale potrebbe suggerire.
Win (1975)
Una ballata drappeggiata in eco, svolazzanti sax, Win è assolutamente stupendo., Nonostante l’insistenza di Bowie fosse un attacco ai rivali artistici che non lavoravano abbastanza duramente, c’è qualcosa di stranamente sexy, non ultimo la sua consegna della linea: “A qualcuno come te non dovrebbe essere permesso di appiccare incendi.”
Rebel Rebel (1974)
Il favoloso addio di Bowie al glam, Rebel Rebel è essenzialmente un saluto amorevole ai bambini che Bowie aveva ispirato, un braccio metaforico intorno alla spalla di ogni adolescente disadattato che avesse mai posato in uno specchio della camera da letto. ” You packy thing”, canta, deliziosamente, “you put them on” -impostato su uno dei più grandi riff rock di tutti i tempi.,
Changes (1971)
Una dichiarazione di missione perfettamente scritta e irresistibile che pochi ascoltavano all’epoca, Changes è diventata una delle canzoni più amate di Bowie. “Sta dicendo:’ Guarda, sarò così veloce, non starai al passo con me’”, ha spiegato. Conterebbe come arroganza giovanile se non fosse per il fatto che la sua carriera successiva portava il vanto fuori.
Golden Years (1976)
Un momento di semplice gioia in mezzo al complesso e travagliato terreno emotivo di Station to Station, Golden Years abbina perfettamente il suo ottimismo lirico con il funk scintillante e scintillante., Quello che avrebbe suonato come se il piano originale di Bowie di dare la canzone a Elvis Presley fosse un’ipotesi di chiunque.
Absolute Beginners (1985)
Il tema del film universalmente deriso di Julien Temple con lo stesso nome, Absolute Beginners potrebbe essere il punto più alto della fase commerciale degli anni ‘ 80 di Bowie. È una maestosa, travolgente, innegabile canzone d’amore che lo ha riunito con il pianista Rick Wakeman, e – a un nadir artistico – ha dimostrato che Bowie poteva ancora scrivere canzoni incredibili quando ne aveva voglia.,
Boys Keep Swinging (1979)
Accolto con delusione al momento del rilascio, la reputazione di Lodger è cresciuta con gli anni. È irregolare, ma contiene alcune canzoni incredibili, non ultimo Boys Keep Swinging, che ha condensato il tipo di sovraccarico sonoro trovato su “Heroes” in una canzone pop sparky di tre minuti, completa di testi che archly, camply ha celebrato il machismo.
Starman (1972)
Più un momento culturale che una canzone., L’epocale performance Top of the Pops di Starman è probabilmente il pezzo più celebrato della televisione musicale nella storia britannica. È una serie di avvincenti ruberie musicali – parti uguali T Rex, Somewhere Over the Rainbow e il recente successo di Blue Mink Melting Pot (the morse code guitar) – e un annuncio sfacciato della rinascita commerciale di Bowie.
Drive-In Saturday (1973)
Glam doo-wop decorato con raffiche di sintetizzatore frizzante, Drive-In Saturday è uno dei più grandi singoli di Bowie, nonostante la sua peculiare premessa lirica., In “about 2033”, la guerra nucleare ha fatto dimenticare all’umanità come fare sesso e devono imparare di nuovo le tecniche di seduzione dai vecchi film. Incredibilmente, data la sua materia, la canzone suona swooningly romantico.
’Tis a Pity She Was a Whore (2016)
Prima Blackstar è stato rivelato come il più squisitamente messo in scena atto finale nella storia del rock, sembrava emozionante come un nuovo inizio., Un implacabile, intenso loop di batteria decorato con squalls di sax, Tis Peccato che lei era una puttana era diverso da qualsiasi cosa Bowie aveva fatto prima. Il suo ultimo grido esultante suggerisce che sapeva esattamente quanto fosse grande.
Oh! You Pretty Things (1971)
C’era un ceppo apocalittico nel songwriting di Bowie quasi fin dall’inizio-see We Are Hungry Men dal suo debutto del 1967-ma non è mai stato espresso in modo più bello che su Oh! You Pretty Things, una canzone che dà un messaggio incredibilmente cupo a una melodia così bella che potrebbe essere coperta dal cantante degli Herman’s Hermits.,
Young Americans (1975)
Young Americans rappresenta il punto nella carriera di Bowie in cui divenne evidente che poteva prendere praticamente qualsiasi genere musicale e piegarlo alla sua volontà. Una rock star britannica bianca che adotta il suono ventilato e sontuoso dell’anima di Philly non avrebbe dovuto funzionare affatto, ma lo ha fatto, con un effetto di affermazione della vita.
Sweet Thing/Candidate/Sweet Thing (Reprise) (1974)
Il medley sul lato uno di Diamond Dogs è il cuore malato dell’album, sette minuti di musica che porta il glam rock fino in fondo., È così decadente e dal suono malato che deve essere stato difficile immaginare dove Bowie potesse andare dopo. Come si è scoperto, era appena iniziato.
“Heroes” (1977)
La sua ubiquità postuma edificante-sportiva-montaggio-colonna sonora significa che è facile dimenticare ciò che una strana, ambigua canzone Heroes è – ha, metaforicamente, perso le virgolette intorno al suo titolo. Ma forse questo è un omaggio al marchio di alchimia di Bowie: solo lui poteva trasformare sei minuti di rumore elettronico pulsante, chitarre ululanti e voci urlate in un inno per tutti gli usi.,
La vita su Marte? (1971)
Un capolavoro senza ulteriori domande, sostenuto dal fantastico arrangiamento d’archi di Ronson, Life On Mars?il confuso flusso di immagini quasi sfida la spiegazione, ma potrebbe essere la prima chiamata di Bowie ai disadattati suburbani. La dice lunga sulla pura potenza della sua melodia che una canzone così liricamente impenetrabile è diventata così ampiamente amata.,
Station to Station (1976)
Dal suo stesso account così fuori controllo che non riusciva nemmeno a ricordare di registrarlo, Bowie in qualche modo escogitò per rendere Station to Station un lavoro di potenza e concentrazione impressionante, come dimostra la lunga title track. Lo spostamento nella sua seconda sezione – “Once there were mountains and mountains” – è forse il momento più emozionante di tutto il suo catalogo.
Ashes to Ashes (1980)
Ashes to Ashes è uno di quei momenti nel catalogo di Bowie in cui la risposta corretta è quella di stare indietro e boggle in soggezione., Presumibilmente una rappresentazione del suo autore nel suo nadir della metà degli anni ‘ 70 drogato, tutto su di esso-persistente stranezza del suo suono, la sua melodia in costante spostamento e il tenore emotivo, i suoi testi alternativamente auto-mitizzanti e auto – dubbi-è perfetto.
Sound and Vision (1977)
Scegliere le 50 migliori canzoni di Bowie è un compito ingrato., Il suo catalogo posteriore è così ricco, si finisce inevitabilmente per dover perdere le tracce altrettanto buono come quelli che avete scelto nel processo: Queen Bitch, Suffragette City, Be My Wife, Dollar Days. Scegliere il suo meglio è ancora peggio, ma Sound and Vision è sia una fantastica canzone pop che un atto di audacia artistica. Un singolo di successo di tre minuti che non ha nemmeno una voce solista fino a metà, torce una lirica sconfortata in qualcosa di edificante e, musicalmente, trascende il tempo. Completamente originale, nulla del suo sound lo lega alla metà degli anni ‘ 70. La sua magia sembra riassumere Bowie.,
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