Medieval musicEdit
alors que la vie musicale était sans aucun doute riche au début du Moyen Âge, comme en témoignent les représentations artistiques d’instruments, les écrits sur la musique et d’autres documents, le seul répertoire de musique qui a survécu d’avant 800 à nos jours est la musique liturgique en plain-chant de l’Église catholique romaine, dont la plus grande partie est appelée Grégorienne chant., Le pape Grégoire Ier, qui a donné son nom au répertoire musical et qui a peut-être lui-même été compositeur, est généralement considéré comme l’auteur de la partie musicale de la liturgie dans sa forme actuelle, bien que les sources donnant des détails sur sa contribution datent de plus de Cent Ans Après sa mort. De nombreux érudits pensent que sa réputation a été exagérée par la légende. La plupart du répertoire de chant a été composé anonymement dans les siècles entre L’époque de Grégoire et Charlemagne.
au cours du 9ème siècle, plusieurs développements importants ont eu lieu., Tout d’abord, il y avait un effort majeur de l’Église pour unifier les nombreuses traditions de chant, et supprimer beaucoup d’entre eux en faveur de la liturgie Grégorienne. Deuxièmement, la première musique polyphonique a été chantée, une forme de chant parallèle connue sous le nom d’organum. Troisièmement, et de la plus grande importance pour l’histoire de la musique, la notation a été réinventée après un laps de temps d’environ cinq cents ans, mais il faudra plusieurs siècles avant qu’un système de notation de la hauteur et du rythme évolue avec la précision et la flexibilité que les musiciens modernes tiennent pour acquises.,
plusieurs écoles de polyphonie ont fleuri dans la période après 1100: Le St.,l’école de polyphonie de Notre-Dame, qui comprenait les compositeurs Léonin et Pérotin, et qui produisit la première musique pour plus de deux parties vers 1200; Le Creuset musical de Saint-Jacques-de-Compostelle en Galice, lieu de pèlerinage et de rassemblement de musiciens de nombreuses traditions à la fin du Moyen Âge, dont la musique survit dans le Codex Calixtinus; et l’école anglaise, dont la musique survit dans les Fragments de Worcester et le manuscrit du vieux Hall., Parallèlement à ces écoles de musique sacrée, une tradition vibrante de chant profane s’est développée, comme en témoigne la musique des troubadours, des trouvères et des Minnesänger. Une grande partie de la musique profane ultérieure du début de la Renaissance a évolué à partir des formes, des idées et de l’esthétique musicale des troubadours, des poètes courtois et des musiciens itinérants, dont la culture a été en grande partie exterminée pendant la Croisade des Albigeois au début du 13ème siècle.
Les formes de musique sacrée qui se sont développées à la fin du XIIIe siècle comprenaient le motet, le conductus, le discant et les clausulae., Un développement inhabituel a été le Geisslerlieder, la musique des bandes errantes de flagellants pendant deux périodes: le milieu du 13ème siècle (jusqu’à ce qu’ils soient supprimés par l’Église); et la période pendant et immédiatement après la Peste Noire, vers 1350, lorsque leurs activités ont été vivement enregistrées et bien documentées avec de la musique notée. Leur musique mélangeait des styles de chansons folkloriques avec des textes pénitentiels ou apocalyptiques., Le 14ème siècle dans l’histoire de la musique européenne est dominé par le style de l’Ars nova, qui, par convention, est regroupé avec l’ère médiévale en musique, même s’il avait beaucoup en commun avec les idéaux et l’esthétique de la Renaissance. Une grande partie de la musique survivante de l’époque est profane, et tend à utiliser les formes fixes: la ballade, le virelai, le lai, le rondeau, qui correspondent à des formes poétiques du même nom. La plupart des pièces de ces formes sont pour une à trois voix, probablement avec accompagnement instrumental: parmi les compositeurs célèbres figurent Guillaume de Machaut et Francesco Landini.,
Renaissance musicEdit
Giovanni Pierluigi da Palestrina
le début de la Renaissance dans la musique n’est pas aussi clairement marqué que le début de la Renaissance dans les autres arts, et contrairement aux autres arts, il n’a pas commencé en Italie, mais en Europe du Nord, en particulier dans la zone qui comprend actuellement le centre et le nord de la France, Les Pays-Bas et la Belgique., Le style des compositeurs Bourguignons, comme on appelle la première génération de l’école Franco-flamande, était d’abord une réaction contre la complexité excessive et le style maniéré de l’ars subtilior de la fin du 14ème siècle, et contenait une mélodie claire et chantable et une polyphonie équilibrée dans toutes les voix. Les compositeurs les plus célèbres de L’école bourguignonne au milieu du XVe siècle sont Guillaume Dufay, Gilles Binchois et Antoine Busnois.,
Au milieu du XVe siècle, les compositeurs et chanteurs des Pays-bas et des régions adjacentes commencèrent à se répandre à travers l’Europe, en particulier en Italie, où ils étaient employés par la chapelle papale et les mécènes aristocratiques des arts (tels que les Médicis, les Este et les familles Sforza). Ils ont porté leur style avec eux: polyphonie lisse qui pourrait être adapté pour un usage sacré ou Profane selon le cas. Les principales formes de composition musicale sacrée à l’époque étaient la messe, le motet et la laude; les formes profanes comprenaient la chanson, la frottola et plus tard le madrigal.,
l’invention de l’imprimerie a eu une immense influence sur la diffusion des styles musicaux et, avec le mouvement des musiciens Franco-Flamands, a contribué à l’établissement du premier style véritablement international dans la musique européenne depuis l’unification du chant grégorien sous Charlemagne., Parmi les compositeurs de la génération moyenne de l’école Franco-flamande, on peut citer Johannes Ockeghem, qui a écrit de la musique dans un style contrapuntique complexe, avec une texture variée et un usage élaboré de dispositifs canoniques; Jacob Obrecht, l’un des compositeurs de messes les plus célèbres des dernières décennies du 15ème siècle; et Josquin Des Prez, probablement le compositeur le plus célèbre d’Europe avant Palestrina, et qui au cours du 16ème siècle était réputé comme l’un des plus grands artistes sous toutes ses formes., La musique de la génération D’après Josquin a exploré la complexité croissante du contrepoint; l’expression la plus extrême se trouve peut-être dans la musique de Nicolas Gombert, dont les complexités contrapuntiques ont influencé la musique instrumentale ancienne, comme la canzona et le ricercar, aboutissant finalement à des formes fugitives baroques.,plusieurs tendances stylistiques très diverses sont apparues: une tendance à la simplicité dans la musique sacrée, telle que dirigée par le Concile de trente Contre-Réforme, illustrée dans la musique de Giovanni Pierluigi da Palestrina; une tendance à la complexité et au chromatisme dans le madrigal, qui a atteint son expression extrême dans le style avant-gardiste de L’école de Ferrare de Luzzaschi et du madrigaliste contrastes antiphonaux., La musique de L’école vénitienne comprenait le développement de l’orchestration, des parties instrumentales ornées et des parties de Basse Continue, qui se sont produites dans une période de plusieurs décennies autour de 1600. Parmi les compositeurs célèbres de Venise, citons Gabrielis, Andrea et Giovanni, ainsi que Claudio Monteverdi, l’un des plus importants innovateurs de la fin de l’époque.
la plupart des régions D’Europe avaient des traditions musicales actives et bien différenciées à la fin du siècle., En Angleterre, des compositeurs tels que Thomas Tallis et William Byrd ont écrit de la musique sacrée dans un style similaire à celui écrit sur le continent, tandis qu’un groupe actif de madrigalistes locaux a adapté la forme italienne aux goûts anglais: parmi les compositeurs célèbres figurent Thomas Morley, John Wilbye et Thomas Weelkes. L’Espagne a développé des styles instrumentaux et vocaux propres, avec Tomás Luis de Victoria écrivant une musique raffinée similaire à celle de Palestrina, et de nombreux autres compositeurs écrivant pour la nouvelle guitare., L’Allemagne a cultivé des formes polyphoniques construites sur les chorales protestantes, qui ont remplacé le Chant grégorien catholique romain comme base de la musique sacrée, et a importé le style de l’école vénitienne (dont l’apparition a défini le début de l’ère Baroque). En outre, les compositeurs allemands ont écrit d’énormes quantités de musique pour orgue, établissant la base du style Baroque tardif pour orgue qui a culminé dans L’œuvre de J. S. Bach., La France a développé un style unique de diction musicale connu sous le nom de musique mesurée, utilisé dans les chansons profanes, avec des compositeurs tels que Guillaume Costeley et Claude Le Jeune éminents dans le mouvement.
L’un des mouvements les plus révolutionnaires de L’époque a eu lieu à Florence dans les années 1570 et 1580, avec le travail de la Camerata Florentine, qui avait ironiquement une intention réactionnaire: insatisfaits de ce qu’ils considéraient comme des dépravations musicales contemporaines, leur objectif était de restaurer la musique des anciens Grecs. Les principaux D’entre eux étaient Vincenzo Galilei, le père de l’astronome, et Giulio Caccini., Le fruit de leur travail était un style de chant mélodique déclamatoire connu sous le nom de monodie, et une forme dramatique mise en scène correspondante: une forme connue aujourd’hui sous le nom d’Opéra. Les premiers opéras, écrits vers 1600, définissent également la fin de la Renaissance et le début des époques baroques.
avant 1600, la musique était modale plutôt que tonale. Plusieurs développements théoriques à la fin du 16ème siècle, tels que les écrits sur les échelles sur les modes de Gioseffo Zarlino et Franchinus Gaffurius, ont conduit directement au développement de la tonalité de pratique commune., Les gammes majeure et mineure ont commencé à prédominer sur les anciens modes d’église, une caractéristique qui était d’abord la plus évidente aux points cadentiels dans les compositions, mais est progressivement devenue omniprésente. La musique après 1600, à commencer par la musique tonale de l’époque Baroque, est souvent considérée comme appartenant à la période de pratique courante.
Musique Baroquemodifier
Portrait du compositeur italien Claudio Monteverdi à Venise, par Bernardo Strozzi, vers 1630
Toccata et Fugue
l’ère Baroque a eu lieu de 1600 à 1750, alors que le style artistique Baroque a prospéré à travers L’Europe et, pendant ce temps, la musique s’est étendue dans sa gamme et sa complexité. La musique Baroque a commencé lorsque les premiers opéras (musique vocale solo dramatique accompagnée d’orchestre) ont été écrits. Pendant l’ère Baroque, la musique contrapuntique polyphonique, dans laquelle plusieurs lignes mélodiques indépendantes simultanées étaient utilisées, est restée importante (le contrepoint était important dans la musique vocale de l’époque médiévale)., Les compositeurs baroques allemands, italiens, français, néerlandais, polonais, espagnols, portugais et anglais ont écrit pour de petits ensembles comprenant des cordes, des cuivres et des bois, ainsi que pour des Chœurs et des instruments à clavier tels que l’orgue à tuyaux, le clavecin et le clavicorde. Au cours de cette période, plusieurs formes musicales majeures ont été définies et ont perduré dans des périodes ultérieures où elles ont été élargies et évoluées, y compris la fugue, l’invention, la sonate et le concerto. Le style Baroque tardif était polyphoniquement complexe et richement orné., Johann Sebastian Bach, Arcangelo Corelli, François Couperin, Girolamo Frescobaldi, George Frideric Haendel, Jean-Baptiste Lully, Claudio Monteverdi, Georg Philipp Telemann et Antonio Vivaldi sont des compositeurs importants de l’époque Baroque.
musique classiqueModifier
la musique de la période classique est caractérisée par une texture homophonique, ou une mélodie évidente avec accompagnement. Ces nouvelles mélodies avaient tendance à être presque vocales et chantables, permettant aux compositeurs de remplacer réellement les chanteurs en tant que centre de la musique., La musique instrumentale a donc rapidement remplacé l’opéra et d’autres formes chantées (comme l’oratorio) comme le favori du public musical et la quintessence de la grande composition. Cependant, l’Opéra n’a pas disparu: pendant la période classique, plusieurs compositeurs ont commencé à produire des opéras pour le grand public dans leur langue maternelle (les opéras précédents étaient généralement en italien).
les compositions de Wolfgang Amadeus Mozart ont caractérisé la musique de l’époque classique.,
avec le déplacement progressif de la voix en faveur de mélodies plus fortes et plus claires, le contrepoint est également généralement devenu une fleur décorative, souvent utilisée vers la fin d’une œuvre ou pour un seul mouvement. À sa place, des motifs simples, tels que les arpèges et, dans la musique pour piano, la basse Alberti (un accompagnement avec un motif répété généralement dans la main gauche), ont été utilisés pour animer le mouvement de la pièce sans créer de voix supplémentaire déroutante., La musique instrumentale, désormais populaire, était dominée par plusieurs formes bien définies: La Sonate, la symphonie et le concerto, bien qu’aucune d’entre elles n’ait été spécifiquement définie ou enseignée à l’époque comme elles le sont maintenant dans la théorie musicale. Tous trois dérivent de la forme sonate, qui est à la fois la forme sus-jacente d’une œuvre entière et la structure d’un seul mouvement. La forme sonate a mûri pendant l’ère classique pour devenir la forme principale des compositions instrumentales tout au long du 19ème siècle.,
la première période classique a été inaugurée par L’école de Mannheim, qui comprenait des compositeurs tels que Johann Stamitz, Franz Xaver Richter, Carl Stamitz et Christian Cannabich. Il a exercé une profonde influence sur Joseph Haydn et, à travers lui, sur toute la musique européenne ultérieure. Wolfgang Amadeus Mozart était la figure centrale de la période classique, et sa production phénoménale et variée dans tous les genres définit notre perception de la période., Ludwig van Beethoven et Franz Schubert étaient des compositeurs de transition, menant à la période romantique, avec leur expansion des genres existants, des formes et même des fonctions de la musique.
Musique Romantiquemodifier
le personnage titre d’une représentation du 19ème siècle de L’Opéra Siegfried de Wagner
dans la période romantique, la musique est devenue plus expressive et émotionnelle, s’étendant et la philosophie., Les premiers compositeurs romantiques célèbres incluent Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini, Donizetti et Berlioz. La fin du 19e siècle a vu une expansion spectaculaire de la taille de l’orchestre et du rôle des concerts dans la société urbaine. Les compositeurs célèbres de la seconde moitié du siècle comprennent Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Tchaïkovski, Verdi et Wagner. Entre 1890 et 1910, une troisième vague de compositeurs, dont Grieg, Dvořák, Mahler, Richard Strauss, Puccini et Sibelius, s’appuie sur le travail des compositeurs du milieu romantique pour créer des œuvres musicales encore plus complexes – et souvent beaucoup plus longues., Une marque importante de la musique de la fin du XIXe siècle est sa ferveur nationaliste, comme en témoignent des figures telles que Dvořák, Sibelius et Grieg. Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninov, Franck, Debussy et Rimsky-Korsakov sont d’autres figures marquantes de la fin du siècle.
musique des 20e et 21e siècleModifier
la radio a transformé les habitudes d’écoute après 1920
La musique de toutes sortes est également devenue de plus en plus portable., Le 20ème siècle a vu une révolution dans l’écoute de la musique que la radio a gagné en popularité dans le monde entier et de nouveaux médias et technologies ont été développés pour enregistrer, capturer, reproduire et distribuer de la musique. Les performances musicales sont devenues de plus en plus visuelles avec la diffusion et l’enregistrement des performances.
la musique du 20e siècle a apporté une nouvelle liberté et une vaste expérimentation de nouveaux styles et formes musicales qui ont remis en question les règles acceptées de la musique des périodes antérieures., L’invention de l’amplification musicale et des instruments électroniques, en particulier le synthétiseur, au milieu du 20e siècle a révolutionné la musique classique et populaire et accéléré le développement de nouvelles formes de musique.
en ce qui concerne la musique classique, deux écoles fondamentales ont déterminé le cours du siècle: celle d’Arnold Schoenberg et celle d’Igor Stravinsky.
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