Let Me Sleep Beside You (1967)
un single rejeté finalement sorti sur une compilation cash-in de 1970, la première collaboration de Bowie avec le producteur Tony Visconti est meilleure que tout sur son premier album. Porté par une guitare acoustique, son son indique la voie à suivre et il y a quelque chose d’étrange, voire de sinistre dans les envolées lyriques: « portez la robe que portait votre mère., »
I Would Be Your Slave (2001)
uniformément forte, L’écriture de la chanson sur Heathen s’étendait du prosaïque – la lettre à l’adulte-fils de tout le monde dit bonjour-à la déconcertante. Son point culminant se situe quelque part entre: ostensiblement une chanson d’amour qui se révèle progressivement être sur Dieu. La mélodie est magnifique, l’arrangement – des cordes très Visconti sur des beats électroniques – parfaitement équilibré.
Aimer l’Étranger (1984)
Le solitaire moment qui a suscité en 1984, l’inspiration de la libre de ce Soir. Une chanson étrange, vraiment grande, sur la religion étouffée par la surproduction., Un remix 2018 AIDE un peu les choses, et les versions live 00s dépouillées disponibles en ligne sont encore meilleures. La version démo – beaucoup parlé par Bowie dans les années suivantes-reste inconnu.
Jump They Say (1993)
salué comme un retour à la forme de pointe à sa sortie, Black Tie White Noise n’était rien du genre, mais son premier single était authentiquement fantastique. Le funk nerveux mais commercial est miné par une lyrique sombre qui revient au sujet du demi-frère mentalement malade de Bowie, Terry, cette fois sur son suicide en 1985.,
The London Boys (1966)
révélateur, la première grande chanson de Bowie centrée sur les étrangers. Une représentation austère, assistée de cuivres et de bois de ceux – comme Bowie lui-même – partis le nez pressé contre le verre de la fête du Swinging London, on dirait un drame monochrome de cuisine compressé en trois minutes.
Fantastic Voyage (1979)
l’album Lodger s’est ouvert avec ce qui est le plus rare dans le canon de Bowie, une chanson de protestation. Inspiré par la guerre froide en cours et la paranoïa nucléaire qui l’accompagne, sa combinaison de colère et de fatalisme semble toujours pertinente., La musique quant à elle est essentiellement une reprise douce de Boys Keep Swinging: même clé, mêmes accords, seulement plus lent.
Lady Stardust (1972)
le moment le plus émouvant de Ziggy Stardust est l’une de ses chansons les plus directes., Porté par le piano de Mick Ronson, il brosse un tableau poignant: un concert surhypé par un nouveau groupe chaud, un homme dans la foule regardant tristement son jeune ex-amant devenir une star. « J’ai souri tristement pour un amour que je ne pouvais pas obéir. »
Seven Years in Tibet (1997)
Il y avait quelque chose de charmant dans les expériences de drum’n’bass enthousiastes de Bowie sur Earthling, mais son plus beau morceau n’avait rien à voir avec eux: Bowie a suggéré qu’il était inspiré par la soul des années 60 et les Pixies., Quoi qu’il en soit, ses sauts d’atmosphères étranges à des chorus de mur de bruit sont vraiment exaltants: un triomphe négligé.
Something in the Air (1998)
autre joyau négligé des années 90, des heures froidement reçues, Something in the Air est à la fois limpide et mélancolique. Les paroles sont remplies de regrets, la voix desséchée et peinée derrière un saupoudrage libéral de distorsion électronique – et, quand il frappe son refrain, anthémique d’une manière qui fait allusion à tous les jeunes mecs.
Joe le Lion (1977)
Joe le Lion défie toute explication., Une fois que vous avez dépassé les premières lignes sur L’artiste transgressif auto-mutilant Chris Burden – « dites – vous qui vous êtes si vous me clouez à ma voiture” – les paroles n’ont pratiquement aucun sens. La musique – Arc, guitare atonale frénétique et chœurs bavards-semble dérangée; Bowie chante comme un homme au bord d’une dépression nerveuse. C’est ridiculement excitant.
Hallo Spaceboy (1995)
Après une décennie passée à courtiser le grand public, Bowie avait clairement l’intention D’être considéré à l’extérieur comme une déclaration artistique grandiose., Il se sent parfois un peu laborieux, mais ses points forts sont élevés: Un remix de Pet Shop Boys faisant référence à Space Oddity a été un succès, mais L’original de Hallo Spaceboy est percutant, chaotique et hypnotique.
I Can’t Read (1989)
Tin Machine était une folie hard rock qui en grande partie n’a pas bien vieilli, mais I Can’t Read est l’exception qui prouve la règle: une étude brillante, angoissée et auto-appâtante de L’inertie créative qui avait submergé Bowie dans les années 80, sur un mur dense de guitares en tôle et,
Rock’n’Roll Suicide (1972)
ostensiblement la finale tragique, chanson française et pop des années 50 influencée par L’histoire de Ziggy Stardust, la coda épique de Rock’N’Roll Suicide semblait prendre un sens différent et festif comme L’étoile de Bowie rose, son hurlement de « You’re not alone / Give me your mains / vous êtes merveilleux” résumant son effet sur ses fans.,
Bring Me The Disco King (2003)
Il y a un sens dans lequel le dernier morceau de Reality, le dernier album qu’il a fait avant sa « retraite” de dix ans, aurait parfaitement fonctionné comme Adieu de Bowie: une belle rumination fatiguée, incertaine et élégiaque sur les années 70, réglée sur le piano distinctif de Mike Garson, qui passe
Always Crashing in the Same Car (1977)
« SELF-pitying crap”, renifla Bowie par la suite, ce qui vous en dit plus sur son humeur découragée pendant L’enregistrement de Low que sur la chanson elle-même., Toujours S’écraser dans la même voiture est un ruban sublime de paranoïa de mauvaise humeur, avec des voix distraites, une électronique qui alterne bulles et bourdonnements, une guitare filante et chargée d’effets.
Stay (1976)
« Ce n’est pas les effets secondaires de la cocaïne”, a protesté Bowie sans convaincre sur la chanson titre de Station to Station, mais Stay-un hybride funk – rock tendu et nerveux-l’était audiblement. Comme D’habitude avec Station to Station, le chaos de sa création (”une frénésie de cocaïne », selon le guitariste Carlos Alomar) ne se reflète pas dans le produit fini: il est parfaitement équilibré et confiant.,
Craquage Acteur (1973)
Il y a une souche particulière de Bowie chanson de 1973/74 qui sonne comme le travail de quelqu’un qui a eu tout le sexe et la drogue dans le monde à la fois. Craqué Acteur peut être l’exemple suprême. Un souffle sordide et amer de guitare distordue qui sonne comme s’il était à quelques secondes de l’effondrement, c’est à la fois intense et électrisant.
Moonage Daydream (1972)
Vous ne voulez jamais pour les anthémies rock de haut drame sur la montée et la chute de Ziggy Stardust et les araignées de Mars, mais Moonage Daydream est le meilleur exemple., Il passe de l’appel strident de l’accord de guitare d’ouverture à quelque chose de plus étrange et de plus inquiétant – son encouragement final à « paniquer” ne semble pas particulièrement invitant – et dispose d’un solo de guitare hallucinant Mick Ronson.
Diamond Dogs (1974)
Halloween Jack, le personnage adopté par Bowie sur Diamond Dogs, n’a jamais eu le même impact culturel que Ziggy Stardust ou The Thin White Duke., Ce n’était pas la faute de la chanson-titre de l’album, un strut propulsif et convaincant à la fois sensuel et sombre, comme en témoigne son cri d’ouverture troublant: « This ain’T rock n’ roll, this is genocide genocide!”
La Largeur d’un Cercle (1970)
Pas tout sur Bowie consciemment lourd de l’album L’Homme Qui a Vendu le Monde travaille, mais son morceau d’ouverture est remarquable., Il s’ouvre sur une guitare acoustique qui aurait pu sortir de L’album de David Bowie de 1969, avant d’exploser dans quelque chose de complètement différent: une épopée homoérotique de huit minutes alimentée par Ronson qui fanfaronne avec une confiance retrouvée.
John, i’m Only Dancing (1972)
considéré comme trop controversé pour sortir aux États-Unis, John, i’m Only Dancing a allègrement bouleversé les mœurs sexuelles de l’époque: dans ses paroles, une relation droite est l’aberration choquante et menaçante., La musique, quant à elle, sashays insouciantly le long – dans un autre vol inspiré, la partie de guitare est glissée de 1968 funk Hit D’Alvin Cash Keep On Dancing.
The Buddha of Suburbia (1993)
preuve que Bowie a travaillé de manière mystérieuse: il a fallu une adaptation BBC Two de The Buddha of Suburbia de Hanif Kureishi pour lui redonner toute sa puissance créatrice. Au milieu des expériences free-jazz préfigurant Blackstar et des instrumentaux Low-esque se cachait la fantastique chanson-titre auto-référentielle, un dessin vif de Bowie pré-renommée,”screaming along in south London ready ready to learn ».,
Fame (1975)
fabriqué sur le sabot en studio – et prétendument construit par Bowie découpant un enregistrement d’Alomar jouant une reprise du tube de 1961 des Flares, Foot Stompin’ – Fame est une fantastique tranche de funk, rendue nerveuse et étrange par la livraison douloureuse de paroles qui prennent une vue jaunâtre du sujet de la chanson: « la flamme qui brûle »
Scary Monsters (and Super Creeps) (1980)
bénéficiant d’une voix de mockney absurde-” she ’ad an ’orror of rooms » – la chanson titre de Scary Monsters remonte apparemment au début des années 70., Bowie avait tenté de le donner à Iggy Pop, avant de reconsidérer. C’est le moment le plus viscéralement excitant de L’album: frénétique et agressif, il enrobe tout, des guitares à la voix de Bowie, de distorsion.
All The Young Dudes (1972)
hymne national non officiel du Glam rock., Tous les jeunes ont annoncé l’arrivée d’une nouvelle ère dans la pop via un casting Lou Reed-ish de personnages – travestis, monstres de vitesse parlant de suicide-et un renvoi opportun, remarquablement arrogant du passé: « mon frère est de retour à la maison avec ses Beatles et ses Stones what quel frein. »
Space Oddity (1969)
dans son excellent livre The Complete David Bowie, Nicholas Pegg note que L’épisodique Space Oddity ressemble à quelque chose que les Bee Gees des années 60 auraient pu écrire à leur plus étrange., Il a tout à fait raison, bien que là où les Bee Gees auraient joué le mélodrame, Bowie habite parfaitement son humeur d’aliénation aux yeux vides et à l’ère spatiale.
où en sommes-nous maintenant? (2013)
L’excitation suscitée par la réapparition surprise de Bowie a peut-être fait que le lendemain était légèrement surévalué, mais ses meilleurs moments sont magnifiques, notamment où en sommes-nous maintenant?le souvenir du séjour de Bowie à la fin des années 70 à Berlin. Affectueux, nostalgique et étrangement fragile, il semble toujours émouvant.,
The Man Who Sold The World (1970)
c’est une chanson qui a ensuite été rendue comme tout, de la pop-soul (par Lulu) au commentaire acoustique désespérant sur le succès mondial et l’éthique punk rock (Nirvana), mais la version originale de Bowie n’a jamais été améliorée. Le titre de son album le plus étrange reste mystérieux, effrayant et obsédant 50 ans plus tard.
I Can’t Give Everything Away (2016)
des chansons de Blackstar dont la signification s’est soudainement mise au point avec la nouvelle de la mort de Bowie, aucune n’est plus touchante que I Can’t Give Everything Away., La musique est glorieusement dynamique, mais il est difficile de voir les paroles comme autre chose qu’un homme qui fait ses adieux, La citation musicale de Low’s A New Career in a New Town parfaitement jugée et poignante.
Fashion (1980)
brillamment claustrophobe, post-punk funk influencé par le reggae qui jette un œil jauni sur les tendances en constante évolution dans le monde de la hanche. Le ton ironique de la Mode semblait être largement manqué, peut-être parce que L’idée de David Bowie, de tous les gens, de protester contre les tendances en constante évolution était franchement un peu riche.,
The Bewlay Brothers (1971)
Il y a un argument convaincant que L’incroyable floraison de talents d’écriture de chansons sur Hunky Dory pourrait en faire le plus grand album de Bowie. Son moment le plus frappant est peut – être son extraordinaire, énigmatique finale acoustique-peut – être une représentation de la relation de Bowie avec son demi-frère Terry-qui va de becalmed à froid à véritablement effrayant.
the Jean Genie (1973)
Le concept Ziggy-goes-to-America D’Aladdin Sane en miniature, Le Jean Genie est plus dur et plus sordide que tout sur Ziggy Stardust – son riff de guitare i’m A Man-ish et ses éclats d’harmonica sont absolument sales. Toute personne encline à voir le passé de pop à travers des lunettes teintées de rose devrait noter qu « il a été tenu à l » écart No 1 par l » amant aux cheveux longs de Jimmy Osmond de Liverpool.,
Let’s Dance (1983)
La différence entre Let’s Dance et les autres albums pop des années 80 de Bowie est que son cœur y était; même s’il était en grande partie pour gagner de l’argent, il a fait un effort. Si sa chanson-titre signe son abandon temporaire de l’avant-garde, c’est quand même une superbe chanson, plus nerveuse et plus étrange que son statut de smash mondial ne le laisse penser.
Win (1975)
ballade drapée d’un saxophone en écho et flottant, Win est absolument magnifique., Malgré L’insistance de Bowie, C’était une attaque contre des rivaux artistiques qui n’ont pas travaillé assez dur, il y a quelque chose d’étrangement sexy à ce sujet, notamment sa livraison de la ligne: « Quelqu’un comme vous ne devrait pas être autorisé à allumer des incendies. »
Rebel Rebel (1974)
Le Fabuleux adieu de Bowie au glam, Rebel Rebel est essentiellement un salut affectueux aux enfants que Bowie avait inspirés, un bras métaphorique autour de l’épaule de chaque adolescent inadapté qui avait déjà posé dans un miroir de chambre. « Vous collant chose,” il chante, avec délice, « vous les mettez sur” – fixé à l’un des tous les temps grands riffs rock.,
Changes (1971)
un énoncé de mission parfaitement écrit et irrésistible que peu de gens écoutaient à l’époque, Changes a fini par devenir l’une des chansons les plus aimées de Bowie. ” C’est dire: « Regardez, je vais être si rapide, vous n’allez pas me suivre », a-t-il expliqué. Cela compterait comme de l’arrogance juvénile s’il n’y avait pas le fait que sa carrière ultérieure portait la vantardise.
Golden Years (1976)
un moment de joie simple au milieu du terrain émotionnel complexe et troublé de Station en Station, Golden Years associe parfaitement son optimisme lyrique à un funk étincelant et chatoyant., Ce à quoi cela aurait ressemblé si le plan original de Bowie de donner la chanson à Elvis Presley était à deviner.
Absolute Beginners (1985)
Le thème du film homonyme universellement tourné en dérision par Julien Temple, Absolute Beginners pourrait bien être le point culminant de la phase commerciale des années 80 De Bowie. C’est une majestueuse, balayage, chanson d’amour indéniable qui l’a réuni avec le pianiste Rick Wakeman, et – à un Nadir artistique – prouvé Bowie pouvait encore écrire des chansons incroyables quand il en avait envie.,
Boys Keep Swinging (1979)
Accueillie avec déception au moment de la libération du Locataire réputation a grandi avec les années. C’est inégal, mais contient des chansons incroyables, notamment Boys Keep Swinging, qui condensent le genre de surcharge sonore trouvé sur « Heroes” en une chanson pop pétillante de trois minutes, avec des paroles qui célèbrent le machisme.
homme des étoiles (1972)
Plus d’un moment culturel que d’une chanson., La performance D’époque de Starman Top of the Pops est probablement le morceau de télévision musicale le plus célèbre de l’histoire britannique. C’est une série de vols musicaux convaincants – à parts égales T Rex, Somewhere Over the Rainbow et le récent succès de Blue Mink Melting Pot (the Morse code guitar) – et une annonce impétueuse de la Renaissance commerciale de Bowie.
Drive-in Saturday (1973)
Glam doo-wop décoré d’éclats de synthétiseur pétillant, Drive-In Saturday est l’un des plus grands singles de Bowie, malgré sa prémisse lyrique particulière., Dans « about 2033 », la guerre nucléaire a fait oublier à l’humanité comment avoir des relations sexuelles et ils doivent réapprendre les techniques de séduction des vieux films. Incroyablement, compte tenu de son sujet, la chanson semble incroyablement romantique.
’tis a Pity She Was a Whore (2016)
avant que Blackstar ne soit révélé comme l’acte final le plus exquis de l’histoire du rock, cela ressemblait à un nouveau départ., Une boucle de batterie implacable et intense décorée de bourrasques de sax, Tis Pity She Was a Whore était différente de tout ce que Bowie avait fait auparavant. Son cri exultant final suggère qu’il savait exactement à quel point c’était génial.
Oh! You Pretty Things (1971)
Il y avait une tension apocalyptique dans L’écriture de Bowie presque dès le début – voyez We Are Hungry Men de ses débuts en 1967 – mais elle n’a jamais été aussi magnifiquement exprimée que sur Oh! You Pretty Things, une chanson qui donne un message incroyablement sombre à une mélodie si belle qu’elle pourrait être reprise par le chanteur de Herman’s Hermits.,
Young Americans (1975)
Young Americans représente le point dans la carrière de Bowie où il est devenu évident qu’il pouvait prendre pratiquement n’importe quel genre musical et le plier à sa volonté. Une rock star britannique blanche adoptant le son venteux et somptueux de Philly soul n’aurait pas dû fonctionner du tout, mais cela l’a fait, à l’effet d’affirmation de la vie.
Sweet Thing/Candidate/Sweet Thing (Reprise) (1974)
le medley sur side one de Diamond Dogs est le cœur maladif de l’album, sept minutes de musique qui emmène le glam rock aussi loin qu’il pourrait aller., C’est tellement décadent et malade qu’il a dû être difficile d’imaginer où Bowie pourrait aller ensuite. Comme il s’est avéré, il était juste de commencer.
« Heroes” (1977)
son ubiquité posthume, édifiante-sportive-montage-bande – son signifie qu’il est facile d’oublier ce Qu’est une chanson étrange et ambiguë Heroes-elle a, métaphoriquement, perdu les guillemets autour de son titre. Mais c’est peut-être un hommage à la marque D’alchimie de Bowie: lui seul pouvait transformer six minutes de bruit électronique pulsé, de guitares hurlantes et de voix hurlées en un hymne tout usage.,
la Vie sur Mars? (1971)
un chef-d’œuvre sans plus de questions, soutenu par le fantastique arrangement de cordes de Ronson, Life On Mars?le jaillissement confus d « images défie presque l » explication, mais pourrait bien être le premier appel de Clarion de Bowie aux misfits de banlieue. Cela en dit long sur la puissance pure de sa mélodie qu’une chanson si lyriquement impénétrable est devenue si largement aimée.,
Station to Station (1976)
de son propre chef, si incontrôlable qu’il ne se souvenait même pas de l’avoir enregistré, Bowie a réussi à faire de Station to Station une œuvre d’une puissance et d’une concentration impressionnantes, comme en témoigne la longue chanson-titre. Le passage à sa deuxième section – « Once there were mountains and mountains” – est peut-être le moment le plus excitant de tout son catalogue.
Ashes to Ashes (1980)
Ashes to Ashes est l’un de ces moments dans le catalogue de Bowie où la réponse correcte est de prendre du recul et de s’émerveiller., Vraisemblablement une représentation de son auteur dans son Nadir drogué du milieu des années 70 – tout à son sujet-l’étrangeté persistante de son son, sa mélodie constamment changeante et sa teneur émotionnelle, ses paroles alternativement auto-mythologisantes et doutant d’elles – mêmes-est parfait.
Sound and Vision (1977)
choisir les 50 meilleures chansons de Bowie est une tâche ingrate., Son catalogue arrière est si riche, vous finissez inévitablement par perdre des traces aussi bonnes que celles que vous avez choisies dans le processus: Queen Bitch, Suffragette City, Be My Wife, Dollar Days. Choisir son meilleur est encore pire, mais Sound and Vision est à la fois une chanson pop fantastique et un acte d’audace artistique. Un single à succès de trois minutes qui ne comporte même pas de chant principal avant la mi-parcours, il transforme une lyrique découragée en quelque chose d’édifiant et, musicalement, transcende le temps. Complètement original, rien dans son son ne le rattache au milieu des années 70. sa magie semble résumer Bowie.,
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