音楽史

Medieval music edit

音楽生活は間違いなく中世初期には豊かであったが、楽器の芸術的な描写、音楽に関する著作、その他の記録によって証明されるように、800年以前から現在まで生き残っている音楽の唯一のレパートリーは、ローマ-カトリック教会の平面的な典礼音楽であり、その大部分はグレゴリオ聖歌と呼ばれている。, 音楽のレパートリーに彼の名前を与え、彼自身が作曲家であったかもしれない教皇グレゴリーiは、通常、彼の死の百年以上後から彼の貢献の日付についての詳細を与えているが、その現在の形で典礼の音楽部分の創始者であると主張されている。 多くの学者は、彼の評判は伝説によって誇張されていると信じています。 聖歌のレパートリーのほとんどは、グレゴリーとシャルルマーニュの時代の間に何世紀にもわたって匿名で作曲されました。

9世紀の間にいくつかの重要な開発が行われました。, 第一に、多くの聖歌の伝統を統一し、グレゴリオ典礼に賛成してそれらの多くを抑制するための教会による大きな努力がありました。 第二に、最も初期のポリフォニック音楽が歌われ、オルガヌムとして知られている並行した歌の形でした。 第三に、音楽史にとって最も重要なのは、ピッチとリズムの記譜法のシステムが現代のミュージシャンが当たり前の精度と柔軟性を持って進化する前に、それはいくつかのより多くの世紀になるだろうが、記譜法は、約五百年の経過後に再発明されました。,

ポリフォニーのいくつかの学校は、1100年以降の期間に栄えました。,1200年頃に作曲家のレオニンとペロタンを含み、二つ以上の部分のための最初の音楽を生み出したノートルダム寺院のポリフォニー学校、中世後期に多くの伝統のミュージシャンが集まったガリシアのサンティアゴ-デ-コンポステーラの音楽のるつぼ、カリクスティヌス写本に残る音楽、イングリッシュ-スクールなどがある。ウースターの断片と古いホールの原稿。, これらの神聖な音楽の学校と並んで、troubadours、trouvères、Minnesängerの音楽に例示されているように、世俗的な歌の活気に満ちた伝統が発展しました。 ルネサンス初期の後の世俗的な音楽の多くは、13世紀初頭のアルビゲンス十字軍の間に文化がほとんど絶滅したトルバドゥール、宮廷の詩人、遍歴音楽家の形態、アイデア、音楽的美的なものから進化した。

13世紀後半に発展した神聖な音楽の形態には、モテット、コンダクタス、ディスカント、クラウスラエが含まれていました。, 13世紀半ば（教会によって抑圧されるまで）、黒死病の間およびその直後の1350年頃、彼らの活動が鮮やかに記録され、記譜された音楽でよく文書化された。 その音楽混民謡なスタイpenitentialまたは黙示します。, ヨーロッパの音楽史における14世紀は、初期のルネサンスの理想と美学と共通していたにもかかわらず、慣例によって音楽の中世時代とグループ化されたアルス-ノヴァのスタイルによって支配されている。 当時の現存する音楽の多くは世俗的であり、同じ名前の詩的な形に対応するバラード、ヴィレライ、ライ、ロンドーといった形式を使用する傾向がある。 これらの形式のほとんどの作品は、おそらく器楽伴奏で、一から三声のためのものです：有名な作曲家は、ギヨーム*ド*マショーとフランチェスコ*ランディーニ,

Renaissance musicEdit

音楽におけるルネサンスの始まりは、他の芸術におけるルネサンスの始まりと同じくらい明確にマークされておらず、他の芸術とは異なり、イタリアでは始まっていないが、北欧では特に現在、フランス中部および北部、オランダ、およびベルギーを含む地域で。, ブルゴーニュの作曲家のスタイルは、フランコ-フランドル派の第一世代が知られているように、最初は14世紀後半のars subtiliorの過度の複雑さと礼儀正しいスタイルに対する反応であり、すべての声に明確で歌いやすいメロディとバランスのとれたポリフォニーを含んでいた。 15世紀半ばのブルゴーニュ派の最も有名な作曲家は、ギヨーム-デュフェ、ジル-ビンショワ、アントワーヌ-ブスノワである。,

15世紀半ばまでに、低国とそれに隣接する地域の作曲家や歌手がヨーロッパ、特にイタリアに広がり始め、教皇の礼拝堂や貴族の芸術の後援者（メディチ家、エステ家、スフォルツァ家など）に雇われた。 彼らは彼らとのスタイルを運んだ：適切に神聖または世俗的な使用のために適応することができる滑らかなポリフォニー。 当時の神聖な音楽の主な形態は、ミサ、モテット、およびロードであり、世俗的な形態は、シャンソン、フロットラ、および後にマドリガルを含んでいた。,

印刷の発明は音楽スタイルの普及に大きな影響を与え、フランコ-フランドルの音楽家の動きとともに、シャルルマーニュの下でグレゴリオ聖歌の統一以来、ヨーロッパ音楽における最初の真の国際的なスタイルの確立に貢献した。, フランコ＝フランドル派中期の作曲家には、多様な質感と標準的な装置の精巧な使用を持つ対照的に複雑なスタイルで音楽を書いたヨハネス-オッケヘム、15世紀の最後の数十年における大衆の最も有名な作曲家の一人であるヤコブ-オブレヒト、おそらくパレストリーナ以前のヨーロッパで最も有名な作曲家であり、16世紀の間にあらゆる形で最も偉大な芸術家の一人として有名であったジョスカン-デ-プレが含まれていた。, おそらく最も極端な表現はニコラ-ゴンベールの音楽であり、その対位法の複雑さはカンツォーナやリチェルカーなどの初期の器楽曲に影響を与え、最終的にはバロック様式のフーガル形式で最高潮に達した。,ルッツァスキのフェラーラ学校と世紀後半のマドリガリストカルロGesualdoの前衛的なスタイルでその極端な表現に達したマドリガルにおける複雑さと色彩主義に向けた傾向、そしてサン-マルコ-ディ大聖堂の建築を使用したヴェネツィアの学校の壮大で響きのある音楽。ヴェネツィアは交声のコントラストを作成します。, ヴェネツィアの学校の音楽には、オーケストレーション、装飾された器楽パート、および連続ベースパートの開発が含まれており、それらはすべて1600年頃に数十年のスパン内に発生しました。 ヴェネツィアの有名な作曲家には、ガブリエリス、アンドレア、ジョヴァンニ、そして時代の終わりに最も重要な革新者の一人であるクラウディオ-モンテヴェルディが含まれていた。

ヨーロッパのほとんどの地域は、世紀後半までに活発で差別化された音楽の伝統を持っていました。, イングランドでは、トーマス-タリスやウィリアム-バードのような作曲家が大陸で書かれたものと同様のスタイルで神聖な音楽を書いたが、自家製のマドリガリストの活発なグループは、トーマス-モーリー、ジョン-ウィルバイ、トーマス-ウィルクスなどの有名な作曲家がイタリア語の形式を英語の好みに適応させた。 スペインは独自の器楽と声楽のスタイルを開発し、トマス-ルイス-デ-ビクトリアはパレストリーナと同様の洗練された音楽を書き、他の多くの作曲家は新しいギターのために書いた。, ドイツは、神聖な音楽の基礎としてローマ-カトリックのグレゴリオ聖歌を置き換えたプロテスタントのコラールに基づいたポリフォニック形式を栽培し、ヴェネツィアの学校のスタイルを輸入した（その外観はそこにバロック時代の始まりを定義した）。 さらに、ドイツの作曲家は膨大な量のオルガン音楽を書き、J.S.バッハの作品で頂点に達した後のバロックオルガンスタイルの基礎を確立しました。, フランスでは、ギヨーム-コステリーやクロード-ル-ジューヌなどの作曲家がこの運動に顕著に登場し、世俗的なシャンソンで使用される音楽用語のmusique mesuréeとして知られるユニークなスタイルの音楽辞書を開発した。

時代の最も革命的な動きの一つは、1570年代と1580年代にフィレンツェで行われました,皮肉なことに反動的な意図を持っていたフィレンツェのカメラータの仕事で,彼らは現代の音楽の堕落として見たものに不満を持っていました,彼らの目標は、古代ギリシャ人の音楽を復元することでした. その中のチーフは、天文学者の父であるヴィンチェンツォ-ガリレイとジュリオ-カッチーニでした。, 彼らの労働の成果は、monodyとして知られている宣言的な旋律の歌のスタイルと、対応する上演された劇的な形でした：今日オペラとして知られている形。 1600年頃に書かれた最初のオペラは、ルネサンスの終わりとバロック時代の始まりを定義しています。

1600年以前の音楽は、色調ではなくモーダルでした。 Gioseffo ZarlinoやFranchinus Gaffuriusによる音階に関する著作のような16世紀後半のいくつかの理論的な発展は、一般的な練習の調性の発展に直接つながった。, メジャースケールとマイナースケールは、古い教会モード、組成物のケイデンシャルポイントで最初に最も明白だった機能よりも優勢になり始めたが、徐々に普及するようになった。 1600年以降の音楽は、バロック時代の調性音楽から始まり、しばしば一般的な練習期間に属すると呼ばれています。

Baroque musicEdit

バロック時代は1600年から1750年にかけて行われ、バロック様式の芸術スタイルがヨーロッパ全土で栄え、この間に音楽はその範囲と複雑さに拡大した。 バロック音楽は、最初のオペラ（オーケストラによる劇的な声楽独奏曲）が書かれたときに始まった。 バロック時代には、複数の独立したメロディラインが同時に使用されたポリフォニック対位法音楽が重要であった（中世の声楽では対位法が重要であった）。, ドイツ語、イタリア語、フランス語、オランダ語、ポーランド語、スペイン語、ポルトガル語、英語のバロックの作曲家は、弦楽器、金管楽器、木管楽器などの小さなアンサンブルのために書いただけでなく、パイプオルガン、チェンバロ、クラヴィコードなどの合唱や鍵盤楽器のために。 この時期には、フーガ、発明、ソナタ、協奏曲など、後の時代に続いたいくつかの主要な音楽形式が定義されました。 後期バロック様式は、ポリフォニックに複雑で豊かに装飾されていました。, 重要な作曲家からバロック時代を含J.s.バッハ,Arcangeloコレッリ,演奏曲目,Girolamo Frescobaldi、ジョージFridericヘンデル、ジャンバプティストを作成する,クラウディオMonteverdi,Georg Philipp Telemann、アントニオ-ヴィヴァルディ.

クラシック音楽eraEdit

クラシック時代の音楽は、同音異義語のテクスチャ、または伴奏を伴う明白なメロディー これらの新しいメロディーは、作曲家が実際に音楽の焦点として歌手を置き換えることができ、ほとんど声のようで歌いやすい傾向がありました。, したがって、器楽曲はすぐにオペラや他の歌われた形式（オラトリオなど）を音楽の聴衆のお気に入りと偉大な構成の縮図として置き換えました。 しかし、オペラは消えなかった：古典期の間に、いくつかの作曲家は、彼らの母国語で一般市民のためのオペラを生産し始めた（以前のオペラは、一般的にイタリア語であった）。

より強く、より明確なメロディーを支持する声の段階的な変位とともに、対位法はまた、典型的には、多くの場合、仕事の終わり近くまたは単一の動きのために使用される装飾的な繁栄になりました。 その代わりに、アルペジオやピアノ音楽では、アルベルティ-ベース（通常は左手に繰り返されるパターンを持つ伴奏）のような単純なパターンが、混乱を招く追加の声を作成することなく、作品の動きを盛り上げるために使用された。, ソナタ、交響曲、協奏曲など、いくつかの明確に定義された形式によって支配されていましたが、現在の音楽理論のように、これらのどれも具体的に定義されたり教えられたものではありませんでした。 三つはすべて、作品全体の重なり合う形と単一の楽章の構造の両方であるソナタ形式から派生しています。 ソナタ形式は、19世紀を通じて器楽曲の主要な形態になるために古典的な時代の間に成熟しました。,

初期の古典時代は、ヨハン-スタミッツ、フランツ-クサーヴァー-リヒター、カール-スタミッツ、クリスチャン-カンナビッヒなどの作曲家を含むマンハイム学校によって幕を開けた。 それはヨーゼフ-ハイドンと、彼を通して、その後のすべてのヨーロッパ音楽に深い影響を及ぼした。 ヴォルフガング-アマデウス-モーツァルトは古典時代の中心人物であり、あらゆるジャンルの彼の驚異的で多様な出力は、期間の私たちの認識を定義, ルートヴィヒ-ヴァン-ベートーヴェンとフランツ-シューベルトは、既存のジャンル、形式、さらには音楽の機能の拡大に伴い、ロマンチックな時代につながる過渡的な作曲家であった。

Romantic musicEdit

ロマンチックな時代には、音楽はより表現力豊かで感情的になり、文学、芸術、哲学を包含するように拡大しました。, 初期のロマン派の作曲家としては、シューマン、ショパン、メンデルスゾーン、ベッリーニ、ドニゼッティ、ベルリオーズなどが有名である。 19世紀後半には、オーケストラの規模が劇的に拡大し、都市社会の一部としてのコンサートの役割が見られました。 世紀後半の有名な作曲家には、ヨハン-シュトラウス二世、ブラームス、リスト、チャイコフスキー、ヴェルディ、ワーグナーなどがいる。 1890年から1910年にかけて、グリーグ、ドヴォルザーク、マーラー、リヒャルト–シュトラウス、プッチーニ、シベリウスなどの作曲家の第三の波は、より複雑で、しばしばはるかに長い音楽作品を作り出すために、中間のロマンチックな作曲家の仕事に基づいていた。, 19世紀後半の音楽の顕著なマークは、ドヴォルザーク、シベリウス、グリーグなどの人物によって例示されるように、その国家主義的な情熱です。 その他の著名な世紀後半の人物には、サン＝サーンス、フォーレ、ラフマニノフ、フランク、ドビュッシー、リムスキー＝コルサコフなどがいる。

20世紀と21世紀の音楽編集

あらゆる種類の音楽もますますポータブルになりました。, 20世紀は、ラジオが世界的に人気を博し、音楽を録音、キャプチャ、再生、配信するための新しいメディアと技術が開発されたため、音楽リスニングに革命をもたらしました。 音楽の演奏は、演奏の放送と録音によってますます視覚的になりました。

20世紀の音楽は、以前の時代の音楽の受け入れられたルールに挑戦した新しい音楽スタイルと形式で新しい自由と幅広い実験をもたらしました。, 20世紀半ばの音楽増幅と電子楽器、特にシンセサイザーの発明は、クラシック音楽とポピュラー音楽に革命をもたらし、新しい形態の音楽の発展を加速させた。

クラシック音楽に関しては、アルノルト-シェーンベルクのものとイーゴリ-ストラヴィンスキーのものという二つの基本的な学校が世紀の進路を決定した。