Historia de la música

El comienzo del Renacimiento en la música no está tan claramente marcado como el comienzo del Renacimiento en las otras artes, y, no comenzó en Italia, sino en el norte de Europa, específicamente en el área que actualmente comprende el centro y norte de Francia, los Países Bajos y Bélgica., El estilo de los compositores borgoñones, como se conoce a la primera generación de la escuela Franco-flamenca, fue al principio una reacción contra la excesiva complejidad y el estilo educado del ars subtilior de finales del siglo XIV, y contenía una melodía clara y cantable y una polifonía equilibrada en todas las voces. Los compositores más famosos de la Escuela borgoñona a mediados del siglo XV son Guillaume Dufay, Gilles Binchois y Antoine Busnois.,

a mediados del siglo XV, compositores y cantantes de los Países Bajos y áreas adyacentes comenzaron a extenderse por toda Europa, especialmente en Italia, donde fueron empleados por la capilla papal y los patronos aristocráticos de las artes (como los Medici, Los Este y las familias Sforza). Llevaban su estilo con ellos: polifonía suave que podía ser adaptada para uso sagrado o secular según correspondiera. Las principales formas de composición musical Sacra en ese momento eran la misa, el motete y laude; las formas seculares incluían la chanson, la frottola y más tarde El madrigal.,

la invención de la imprenta tuvo una inmensa influencia en la difusión de los estilos musicales, y junto con el movimiento de los músicos Franco-flamencos, contribuyó al establecimiento del primer estilo verdaderamente internacional en la música europea desde la unificación del canto gregoriano bajo Carlomagno., Entre los compositores de la generación media de la escuela Franco-flamenca se encuentran Johannes Ockeghem, que escribió música en un estilo contrapuntamentalmente complejo, con una textura variada y un elaborado uso de dispositivos canónicos; Jacob Obrecht, uno de los compositores de misas más famosos en las últimas décadas del siglo XV; y Josquin des Prez, probablemente el compositor más famoso de Europa antes de Palestrina, y que durante el siglo XVI fue reconocido como uno de los más grandes artistas en cualquier forma., La música en la generación posterior a Josquin exploró la creciente complejidad del contrapunto; posiblemente la expresión más extrema está en la música de Nicolas Gombert, cuyas complejidades contrapuntísticas influyeron en la música instrumental temprana, como la canzona y el ricercar, que finalmente culminó en formas fugaces barrocas.,y se hicieron evidentes varias tendencias estilísticas muy diversas: una tendencia hacia la simplicidad en la música sacra, como la dirigida por el Concilio Contrarreforma de Trento, ejemplificada en la música de Giovanni Pierluigi da Palestrina; una tendencia hacia la complejidad y el cromatismo en el madrigal, que alcanzó su expresión extrema en el estilo vanguardista de la Escuela Ferrara de Luzzaschi y el madrigalista de finales de siglo Carlo Gesualdo; y la música grandiosa y sonora de la escuela veneciana, que utilizó la arquitectura de la Basílica de San Marco contrastes antifonales. , La música de la escuela veneciana incluyó el desarrollo de la orquestación, partes instrumentales ornamentadas y partes de bajo continuo, todo lo cual ocurrió en un lapso de varias décadas alrededor de 1600. Entre los compositores famosos de Venecia se encontraban Gabrielis, Andrea y Giovanni, así como Claudio Monteverdi, uno de los innovadores más importantes del final de la era.

La mayoría de las partes de Europa tenían tradiciones musicales activas y bien diferenciadas a finales del siglo., En Inglaterra, compositores como Thomas Tallis y William Byrd escribieron música sacra en un estilo similar al escrito en el continente, mientras que un grupo activo de madrigalistas locales adaptaron la forma italiana para los gustos ingleses: compositores famosos como Thomas Morley, John Wilbye y Thomas Weelkes. España desarrolló estilos instrumentales y vocales propios, con Tomás Luis de Victoria escribiendo música refinada similar a la de Palestrina, y muchos otros compositores escribiendo para la nueva guitarra., Alemania cultivó formas polifónicas construidas sobre los corales protestantes, que reemplazaron el canto gregoriano Católico Romano como base para la música sacra, e importó el estilo de la escuela veneciana (cuya aparición definió el comienzo de la era barroca allí). Además, los compositores alemanes escribieron enormes cantidades de música de órgano, estableciendo la base para el estilo de órgano barroco posterior que culminó en la obra de J. S. Bach., Francia desarrolló un estilo único de dicción musical conocido como musique mesurée, utilizado en las canciones seculares, con compositores como Guillaume Costeley y Claude Le Jeune prominentes en el movimiento.

uno de los movimientos más revolucionarios de la época tuvo lugar en Florencia en las décadas de 1570 y 1580, con el trabajo de la Camerata florentina, que irónicamente tenía una intención reaccionaria: insatisfecho con lo que veían como depravaciones musicales contemporáneas, su objetivo era restaurar la música de los antiguos griegos. Entre ellos estaban Vincenzo Galilei, el padre del astrónomo, y Giulio Caccini., Los frutos de su trabajo fueron un estilo de canto melódico declamatorio conocido como monodia, y una forma dramática escenificada correspondiente: una forma conocida hoy como Ópera. Las primeras óperas, escritas alrededor de 1600, también definen el final del Renacimiento y el comienzo de las épocas barrocas.

La música anterior a 1600 era modal en lugar de tonal. Varios desarrollos teóricos a finales del siglo XVI, como los escritos sobre escalas de modos de Gioseffo Zarlino y Franchinus Gaffurius, llevaron directamente al desarrollo de la práctica común de la tonalidad., Las escalas mayor y menor comenzaron a predominar sobre los modos de la iglesia antigua, una característica que al principio era más evidente en los puntos cadenciales en las composiciones, pero gradualmente se hizo omnipresente. La música después de 1600, comenzando con la música tonal de la era barroca, a menudo se refiere como perteneciente al período de práctica común.

Barroco musicEdit

La era barroca tuvo lugar de 1600 a 1750, ya que el estilo artístico Barroco floreció en toda Europa y, durante este tiempo, la música se expandió en su alcance y complejidad. La música barroca comenzó cuando se escribieron las primeras óperas (música vocal dramática solista acompañada de orquesta). Durante la época barroca, la música contrapuntística polifónica, en la que se utilizaban múltiples líneas melódicas independientes simultáneas, siguió siendo importante (el contrapunto era importante en la música vocal de la época Medieval)., Compositores barrocos alemanes, italianos, franceses, holandeses, polacos, españoles, portugueses e ingleses escribieron para conjuntos pequeños incluyendo cuerdas, metales y vientos de madera, así como para coros e instrumentos de teclado como órgano de tubos, clavicordio y clavicordio. Durante este período se definieron varias formas musicales importantes que duraron en períodos posteriores cuando se expandieron y evolucionaron aún más, incluyendo la fuga, LA INVENCIÓN, La sonata y el concierto. El estilo barroco tardío era polifónicamente complejo y ricamente ornamentado., Entre los compositores más importantes del Barroco se encuentran Johann Sebastian Bach, Arcangelo Corelli, François Couperin, Girolamo Frescobaldi, George Frideric Handel, Jean-Baptiste Lully, Claudio Monteverdi, Georg Philipp Telemann y Antonio Vivaldi.

música clásica eraeditar

la música del período clásico se caracteriza por una textura homofónica, o una melodía obvia con acompañamiento. Estas nuevas melodías tendían a ser casi como voces y cantables, permitiendo a los compositores reemplazar a los cantantes como el foco de la música., Por lo tanto, la música Instrumental reemplazó rápidamente a la ópera y otras formas cantadas (como el oratorio) como la favorita del público musical y el epítome de la gran composición. Sin embargo, la ópera no desapareció: durante el período clásico, varios compositores comenzaron a producir óperas para el público en general en sus idiomas nativos (las óperas anteriores eran generalmente en italiano).

junto con el desplazamiento gradual de la voz en favor de melodías más fuertes y claras, el contrapunto también se convirtió típicamente en una floritura decorativa, a menudo utilizada cerca del final de una obra o para un solo movimiento. En su lugar, se utilizaron patrones simples, como arpegios y, en la música de piano, bajo Alberti (un acompañamiento con un patrón repetido típicamente en la mano izquierda), para animar el movimiento de la pieza sin crear una voz adicional confusa., La ahora popular música instrumental estaba dominada por varias formas bien definidas: la sonata, la sinfonía y el concierto, aunque ninguna de estas fueron específicamente definidas o enseñadas en ese momento como lo son ahora en la teoría musical. Los tres derivan de la forma sonata, que es tanto la forma superpuesta de una obra entera como la estructura de un solo movimiento. La forma Sonata maduró durante la Era Clásica para convertirse en la forma primaria de composiciones instrumentales a lo largo del siglo XIX.,

el período Clásico temprano fue introducido por la Escuela de Mannheim, que incluyó compositores como Johann Stamitz, Franz Xaver Richter, Carl Stamitz y Christian Cannabich. Ejerció una profunda influencia en Joseph Haydn y, a través de él, en toda la música europea posterior. Wolfgang Amadeus Mozart fue la figura central del Período Clásico, y su fenomenal y variada producción en todos los géneros define nuestra percepción del período., Ludwig van Beethoven y Franz Schubert fueron compositores de transición, que llevaron al período romántico, con su expansión de géneros, formas e incluso funciones musicales existentes.

música Románticaeditar