formas de pintura

Pintura Mural

La pintura Mural tiene sus raíces en los instintos primitivos de las personas para decorar su entorno y usar las superficies de las paredes como una forma de expresar ideas, emociones y creencias. En su manifestación universal en el graffiti y en murales antiguos, como pinturas rupestres y frescos egipcios protodinámicos, los símbolos y las imágenes de representación se han extendido libre e indiscriminadamente a través de paredes, techos y pisos., Pero, en intentos más disciplinados de simbolizar la importancia y la función de edificios particulares a través de su decoración interior, los murales se han diseñado para el marco restringido de áreas de superficie específicas. Por lo tanto, tienen que ser pintados en estrecha relación con la escala, el estilo y el estado de ánimo del interior y con respecto a consideraciones de ubicación como las fuentes de luz, los niveles de los ojos, las líneas de visión y los medios de enfoque de los espectadores, y la relación de escala emotiva entre los espectadores y las imágenes pintadas.,

las primeras decoraciones murales para tumbas, templos, santuarios y catacumbas generalmente se diseñaron en divisiones horizontales y ejes verticales., Estos patrones de cuadrícula estaban en armonía con el carácter austero de los interiores, y su plan geométrico permitió al artista representar claramente los diversos episodios y símbolos de un sujeto narrativo. En estas primeras tradiciones de diseño mural, en China, India, México, Egipto, Creta y Bizancio, no se utilizaron dispositivos ilusorios para negar la verdadera planitud de la superficie de la pared; las imágenes se recortaron contra un suelo pintado de forma plana enmarcado por dadoes Decorativos (la decoración que adorna la parte inferior de una pared interior) de motivos estilizados en patrones repetidos., A principios del Renacimiento, sin embargo, innovadores como Giotto, Masaccio y Fra Angelico colocaban figuras dentro de entornos arquitectónicos y paisajísticos, pintadas como extensiones de las dimensiones reales del interior. El pico de la habilidad técnica y la expresión artística se alcanzó en los siglos 15 y 16, con los frescos de Piero della Francesca, miguel ángel y Rafael. Las formas irregulares de las áreas de la pared y las distorsiones producidas por las superficies convexas fueron explotadas inventivamente en el diseño., Las puertas y ventanas intrusas, por ejemplo, fueron hábilmente eludidas por ritmos de patrones de barrido o se incorporaron como características en la pintura, y las figuras se recortaron para que parecieran flotar a través o elevarse en cúpulas (bóvedas redondeadas que forman techos), lunetos (espacios redondeados sobre puertas o ventanas) y ábsides (proyecciones abovedadas de una iglesia, generalmente en el extremo este o altar), cuyas superficies curvas podrían pintarse para simular cielos celestes. Las características estructurales de las paredes existentes proporcionaron las divisiones entre los episodios narrativos., Estos fueron a menudo complementados por trompe l’oeil («engañar al ojo») columnas, pilastras, arcadas, balaustradas, escalones y otras formas arquitectónicas que también sirvieron para fusionar el entorno pintado con el interior real.