Let Me Sleep Beside You (1967)
un sencillo rechazado finalmente lanzado en una compilación de 1970, la primera colaboración de Bowie con el productor Tony Visconti es mejor que nada en su álbum debut. Impulsado por la guitarra acústica, su sonido señala el camino a seguir y hay algo apelativamente extraño, incluso siniestro en los complementos líricos: «use el vestido que llevaba su madre.,»
I Would be Your Slave (2001)
Uniformly strong, the songwriting on Heathen stretched from the prosaic – the letter-to-adult-son of Everyone Says Hi – to the baffling. Su punto culminante se encuentra en algún lugar entre: ostensiblemente una canción de amor que poco a poco se revela que se trata de Dios. La melodía es hermosa, el arreglo – cuerdas muy Visconti sobre ritmos electrónicos – perfectamente equilibrado.
Loving The Alien (1984)
the solitary moment that sparked on 1984’s inspiration-free Tonight. Una extraña y genuinamente genial canción sobre la religión sofocada por la sobreproducción., Un remix de 2018 ayuda un poco, y las versiones en vivo de 00s disponibles en línea son mejores aún. La versión demo – muy comentada por Bowie en años posteriores-sigue sin ser escuchada.
Jump They Say (1993)
aclamado como un regreso a la máxima forma en el lanzamiento, Black Tie White Noise no fue nada de eso, pero su primer sencillo fue auténticamente fantástico. El funk nervioso pero comercial es socavado por una lírica oscura que volvió al tema del medio hermano de Bowie, Terry, esta vez meditando sobre su suicidio de 1985.,
The London Boys (1966)
Reveladoramente, la primera gran canción de Bowie centrada en outsiders. Una representación cruda, asistida por viento de latón y madera de aquellos, como el propio Bowie, que se quedaron con sus narices presionadas contra el vidrio de la fiesta de Londres, se siente como un drama monocromo de fregadero de cocina comprimido en tres minutos.
Fantastic Voyage (1979)
El álbum Lodger abrió con la más rara de las cosas en The Bowie canon, una canción de protesta. Inspirada por la Guerra Fría en curso y su consiguiente paranoia nuclear, su combinación de ira y fatalismo todavía suena pertinente., Mientras tanto, la música es esencialmente una suave reelaboración de Boys Keep Swinging: la misma tonalidad, los mismos acordes, solo que más lento.
Lady Stardust (1972)
el momento más emotivo de Ziggy Stardust es una de sus canciones más directas., Impulsado por el piano de Mick Ronson, pinta una imagen conmovedora maravillosamente: un concierto exagerado por una nueva banda caliente, un hombre en la multitud mirando tristemente como su ex amante más joven se convierte en una estrella. «Sonreí tristemente por un amor que no podía obedecer.»
Seven Years in Tibet (1997)
había algo encantador en los entusiastas experimentos drum’n’Bass de Bowie en Earthling, pero su mejor pista no tenía nada que ver con ellos: Bowie sugirió que estaba inspirada en el soul de los 60 y los Pixies., De cualquier manera, sus saltos de atmósferas espeluznantes a chorus de pared de ruido son realmente emocionantes: un triunfo pasado por alto.
Something in the Air (1998)
otra joya pasada por alto de los años 90, de las horas frías recibidas, algo en el aire es a la vez límpido y melancólico. Las letras están llenas de arrepentimiento, la voz reseca y dolida detrás de un toque liberal de distorsión electrónica – y, cuando llega a su coro, himno de una manera que alude a todos los jóvenes.
Joe El León (1977)
Joe El León desafía la explicación., Una vez que pasas las primeras líneas sobre el transgresor artista de performance Auto-mutilante Chris Burden – «Tell you who you are if you nail me to my car» – las letras no tienen prácticamente ningún sentido en absoluto. La música – arco, frenética guitarra atonal y balbuceantes coros – suena desquiciado; Bowie canta como un hombre al borde de una crisis nerviosa. Es ridículamente emocionante.
Hallo Spaceboy (1995)
después de una década dedicada a cortejar a la corriente principal, Bowie claramente pretendía que fuera visto como una gran declaración artística., De vez en cuando se siente un poco trabajada, pero sus aspectos más destacados son altos: un remix de Pet Shop Boys que hace referencia a la rareza del espacio fue un éxito, pero el original de Hallo Spaceboy es demoledor, caótico e hipnótico.
I Can’t Read (1989)
Tin Machine fue una locura del hard rock que en gran medida no ha envejecido bien, pero I Can’t Read es la excepción que prueba la regla: un brillante, agonizado, auto-cebo estudio de la inercia creativa que había abrumado a Bowie en los años 80, sobre una densa pared de guitarras de chapa y retroalimentación.,
Rock’N’Roll Suicide (1972)
ostensiblemente el trágico final de la historia de Ziggy Stardust, la épica coda de Rock’N’Roll Suicide parecía tomar un significado diferente y festivo como la estrella de Bowie, rose, su aullido de «You’re not alone / Give me tus manos / eres maravilloso» resumiendo su efecto en sus fans.,
Bring Me The Disco King (2003)
hay un sentido en el que la última pista de Reality, el último álbum que hizo antes de su década de «retiro», habría funcionado perfectamente como la despedida de Bowie: una hermosa, cansada, incierta y elegíaca Rumia sobre los años 70, ambientada en el distintivo piano de Mike Garson, que cambia de hipnótico a puntiagudo y sorprendente.
Always Crashing in the Same Car (1977)
«Self-pying crap», olfateó Bowie posteriormente, lo que te dice más sobre su estado de ánimo abatido durante la grabación de Low que la canción en sí., Always Crashing in the Same Car es una sublime astilla de paranoia malhumorada, con voces que suenan distraídas, electrónica que alternativamente burbujea y drone, guitarra retorcida y cargada de efectos.
Stay (1976)
«it’s not the side-effects of the cocaine», Bowie protestó de manera poco convincente en la canción principal de Station to Station, pero Stay – un híbrido tenso y nervioso de funk-rock – lo fue audibly. Como es habitual con Station to Station, el caos de su creación («un frenesí de cocaína», según el guitarrista Carlos Alomar) no se refleja en el producto terminado: está perfectamente equilibrado y confiado.,
Cracked Actor (1973)
Hay una cepa particular de Bowie song de 1973/74 que suena como el trabajo de alguien que ha tenido todo el sexo y las drogas en el mundo a la vez. Actor agrietado puede ser el ejemplo supremo. Una ráfaga sórdida y amarga de guitarra distorsionada que suena como si estuviera a segundos de colapsar, es intensa y electrizante.
Moonage Daydream (1972)
nunca querrás para himnos de rock de alto drama sobre el ascenso y caída de Ziggy Stardust y las arañas de Marte, pero Moonage Daydream es el mejor ejemplo., Cambia de la llamada estridente del acorde de guitarra de apertura a algo más extraño y más ominoso – su aliento final a «freak out» no suena particularmente atractivo – y cuenta con un solo de guitarra alucinante de Mick Ronson.
Diamond Dogs (1974)
Halloween Jack, el personaje que Bowie adoptó en Diamond Dogs, nunca disfrutó del mismo impacto cultural que Ziggy Stardust o The Thin White Duke., Eso no fue culpa de la canción que da título al álbum, un puntal propulsivo y convincente que es simultáneamente sensual y oscuro, como lo demuestra su inquietante grito de apertura: «This ain’T rock N’ roll, this is genocide genocide!»
The Width of a Circle (1970)
no todo en el álbum autoconscientemente pesado de Bowie The Man Who Sold The World funciona, pero su pista de apertura es notable., Comienza con una guitarra acústica que podría haber salido del álbum de David Bowie de 1969, antes de explotar en algo completamente diferente: una épica homoerótica de ocho minutos impulsada por Ronson que se jacta con una nueva confianza.
John, i’m Only Dancing (1972)
considerado demasiado controvertido para su lanzamiento en los Estados Unidos, John, i’m Only Dancing blithely dio vuelta a las costumbres sexuales de la época en su cabeza: en sus letras, una relación recta es la aberración impactante y amenazante., La música, mientras tanto, discurre despreocupadamente – en otro robo inspirado, la parte de la guitarra se deslizó de Alvin Cash 1968 funk Hit Keep on Dancing.
the Buddha of Suburbia (1993)
Prueba de que Bowie trabajó de maneras misteriosas: se necesitó una adaptación de BBC Two De the Buddha of Suburbia de Hanif Kureishi para devolverle a su pleno poder creativo. En medio de los experimentos de free-jazz de Blackstar y los instrumentales de bajo estilo acechaban la fantástica y autorreferencial pista del título, un agudo dibujo de Bowie pre-fame, «screaming along in south London ready ready to learn».,
Fame (1975)
formado en el casco del estudio – y supuestamente construido por Bowie cortando una grabación de Alomar tocando un cover de The Flares’ 1961 hit Foot Stompin’ – Fame es una fantástica rebanada de funk, tornada nerviosa y extraña por la dolorosa entrega de letras que toman una visión ictericia del tema de la canción: «The flame that burns your change to keep you insane.»
Scary Monsters (and Super Creeps) (1980)
jactándose de una ridículamente escénica mockney vocal-«she ‘ad an ‘orror of rooms» – la canción principal de Scary Monsters aparentemente data de principios de los 70., Bowie había intentado donarlo a Iggy Pop, antes de reconsiderarlo. Es el momento más visceralmente emocionante del disco: frenético y agresivo, cubre todo, desde las guitarras hasta la voz de Bowie en distorsión.
All the Young Dudes (1972)
Himno Nacional no oficial de Glam rock., All the Young Dudes anunció la llegada de una nueva era en el pop a través de un elenco de personajes de Lou Reed-travestis, fanáticos de la velocidad hablando de suicidio – y un despido oportuno, notablemente engreído del pasado: «mi hermano está de vuelta en casa con sus Beatles y sus piedras what qué lata.»
Space Oddity (1969)
en su excelente libro The Complete David Bowie, Nicholas Pegg señala que el episodio Space Oddity suena como algo que los Bee Gees de los años 60 podrían haber escrito en su momento más extraño., Tiene toda la razón, aunque donde los Bee Gees habrían jugado el melodrama, Bowie habita perfectamente su estado de ánimo de alienación de la era espacial con los ojos en blanco.
¿Dónde estamos ahora? (2013)
la emoción por la reaparición de la sorpresa de Bowie tal vez hizo que al día siguiente se sobrevalorara un poco, pero sus mejores momentos son magníficos, no menos importante ¿dónde estamos ahora?recuerdo de la estancia de Bowie a finales de los 70 en Berlín. Cariñoso, nostálgico y extrañamente frágil, todavía suena conmovedor.,
The Man Who Sold The World (1970)
es una canción que posteriormente se interpretó como todo, desde pop-soul (Por Lulu) hasta comentarios acústicos desesperados sobre el éxito global y la ética del punk rock (Nirvana), pero la versión original de Bowie nunca se ha mejorado. La canción que da título a su álbum eeriest sigue siendo misteriosa, espeluznante e inquietante 50 años después.
I Can’t Give Everything Away (2016)
de las canciones de Blackstar cuyo significado de repente se puso en foco con la noticia de la muerte de Bowie, ninguna es más conmovedora que I Can’t Give Everything Away., La música es gloriosamente boyante, pero es difícil ver las letras como otra cosa que un hombre que se despide, la cita musical de Low’s a New Career in a New Town perfectamente juzgada y conmovedora.
Fashion (1980)
funk Post-punk brillantemente claustrofóbico, influenciado por el reggae que proyecta un ojo ictericia sobre las tendencias en constante cambio en el mundo de la cadera. El tono irónico de la Moda parecía extrañarse en gran medida, posiblemente porque la idea de David Bowie, de todas las personas, protestando por las tendencias en constante cambio era francamente un poco Rica.,
the Bewlay Brothers (1971)
hay un argumento convincente de que el increíble florecimiento del talento para componer canciones en Hunky Dory puede convertirlo en el mejor álbum de Bowie. Su momento más llamativo puede ser su extraordinario y enigmático final acústico-posiblemente una representación de la relación de Bowie con su medio hermano Terry-que va de calmado a escalofriante a genuinamente aterrador.
the Jean Genie (1973)
El concepto Ziggy-goes-to-America de Aladdin Sane en miniatura, El Jean Genie es más duro y sórdido que cualquier cosa en Ziggy Stardust – es un riff de guitarra Man-ish y ráfagas de sonido de armónica absolutamente sucio. Cualquiera que se incline a ver el pasado de pop a través de gafas de color rosa debe tener en cuenta que fue mantenido fuera No 1 Por El Amante de pelo largo de Jimmy Osmond de Liverpool.,
Let’s Dance (1983)
la diferencia entre Let’s Dance y los otros álbumes pop de Bowie de los 80 es que su corazón estaba en ello; incluso si estaba en gran medida para ganar dinero, hizo un esfuerzo. Si la canción que da título a la canción señala su abandono temporal de la vanguardia, sigue siendo una canción magnífica, más nerviosa y extraña de lo que podría sugerir su estatus de éxito global.
Win (1975)
una balada envuelta en un saxo que hace eco y aletea, Win es absolutamente hermosa., A pesar de la insistencia de Bowie en que era un ataque a rivales artísticos que no trabajaban lo suficientemente duro, hay algo extrañamente sexy en ello, no menos importante su entrega de la línea: «a alguien como tú no se le debe permitir iniciar ningún incendio.»
Rebel Rebel (1974)
la fabulosa despedida de despedida de Bowie al glam, Rebel Rebel es esencialmente un Saludo amoroso a los niños que Bowie había inspirado, un brazo metafórico alrededor del hombro de cada inadaptado adolescente que había posado en un espejo del dormitorio. «You tacky thing», canta, encantado, «you put them on», con uno de los grandes riffs de rock de todos los tiempos.,
Changes (1971)
una declaración de misión irresistible perfectamente escrita que pocos escucharon en ese momento, Changes ha terminado siendo una de las canciones más queridas de Bowie. «Está diciendo:’ Mira, voy a ser tan rápido, no vas a seguir el ritmo conmigo'», explicó. Contaría como arrogancia juvenil si no fuera por el hecho de que su carrera posterior llevó a cabo la jactancia.
Golden Years (1976)
un momento de alegría directa en medio del complejo y problemático terreno emocional de estación a Estación, Golden Years combina perfectamente su optimismo lírico con un funk brillante y reluciente., Lo que habría sonado como si el plan original de Bowie para dar la canción a Elvis Presley es una suposición de cualquiera.
Absolute Beginners (1985)
El tema de la película universalmente ridiculizada del mismo nombre de Julien Temple, Absolute Beginners bien puede ser el punto culminante de la fase comercial de los 80 de Bowie. Es una majestuosa, arrebatadora e innegable canción de amor que lo reunió con el pianista Rick Wakeman, y – en un nadir artístico-demostró que Bowie todavía podía escribir canciones increíbles cuando tenía ganas.,
Boys Keep Swinging (1979)
recibido con decepción sobre la liberación, vive de alquiler de la reputación ha crecido con los años. Es desigual, pero contiene algunas canciones increíbles, no menos Boys Keep Swinging, que condensó el tipo de sobrecarga sonora que se encuentra en «Heroes» en una canción pop chispeante de tres minutos, completa con letras que celebran el machismo.
Starman (1972)
más un momento cultural que una canción., La épica actuación Top of the Pops de Starman es probablemente la pieza musical televisiva más celebrada de la historia británica. Es una serie de robos musicales convincentes-partes iguales de T Rex, Somewhere Over the Rainbow y el reciente éxito de Blue Mink Melting Pot (la guitarra de código morse) – y un descarado anuncio del Renacimiento comercial de Bowie.
Drive-in Saturday (1973)
Glam doo-wop decorado con ráfagas de sintetizador efervescente, Drive-in Saturday es uno de los mejores singles de Bowie, a pesar de su peculiar premisa lírica., En «about 2033», la guerra nuclear ha hecho que la humanidad se olvide de cómo tener sexo y tenga que volver a aprender técnicas de seducción de películas antiguas. Increíblemente, dado su tema, la canción suena increíblemente romántica.
es una lástima que She Was a Whore (2016)
antes de que Blackstar se revelara como el acto final más exquisitamente escenificado en la historia del rock, sonaba emocionante como un nuevo comienzo., Un implacable e intenso bucle de batería decorado con chubascos de saxo, esta lástima que fuera una puta era diferente a todo lo que Bowie había hecho antes. Su último grito de júbilo sugiere que sabía exactamente lo genial que era.
Oh! You Pretty Things (1971)
hubo una tensión apocalíptica en la composición de Bowie casi desde el principio – vea We Are Hungry Men de su debut en 1967 – pero nunca se expresó más hermosamente que en Oh! You Pretty Things, una canción que pone un mensaje increíblemente sombrío a una melodía tan encantadora que podría ser versionada por el cantante principal de Herman’s Ermits.,
Young Americans (1975)
Young Americans representa el punto en la carrera de Bowie donde se hizo evidente que podía tomar prácticamente cualquier género musical y doblegarlo a su voluntad. Una estrella de rock británica blanca adoptando el sonido ventoso y suntuoso del Philly soul no debería haber funcionado en absoluto, pero lo hizo, con un efecto de afirmación de la vida.
Sweet Thing/Candidate/Sweet Thing (Reprise) (1974)
el popurrí del lado uno de Diamond Dogs es el corazón enfermizo del álbum, siete minutos de música que lleva el glam rock hasta donde pudo llegar., Es tan decadente y con un sonido enfermizo que debe haber sido difícil imaginar a dónde podría ir Bowie a continuación. Resultó que él apenas estaba empezando.
«Heroes» (1977)
su ubicuidad póstuma de la banda sonora uplifting-sporting-montage significa que es fácil olvidar lo extraña y ambigua que es la canción Heroes: metafóricamente, ha perdido las comillas alrededor de su título. Pero tal vez eso es un homenaje a la marca de Alquimia de Bowie: solo él podía convertir seis minutos de ruido electrónico pulsante, guitarras aullantes y voces gritadas en un himno de aire de uso múltiple.,
la Vida en Marte? (1971)
una obra maestra sin más preguntas, reforzada por el fantástico arreglo de cuerdas de Ronson, Life On Mars?el confuso chorro de imágenes casi desafía la explicación, pero bien podría ser la primera llamada de Clarín de Bowie a inadaptados suburbanos. Dice mucho sobre el poder de su melodía que una canción tan líricamente impenetrable se haya vuelto tan amada.,
Station to Station (1976)
por su propia cuenta tan fuera de control que ni siquiera podía recordar la grabación, Bowie de alguna manera ideó para hacer de Station to Station un trabajo de increíble poder y enfoque, como lo demuestra la larga pista del título. El cambio a su segunda sección – «Once there were mountains and mountains» – es posiblemente el momento más emocionante de todo su catálogo.
Ashes to Ashes (1980)
Ashes to Ashes es uno de esos momentos en el catálogo de Bowie donde la respuesta correcta es retroceder y asombrarse., Presumiblemente una representación de su autor en su nadir drogado de mediados de los 70, todo sobre él-persistente rareza de su sonido, su melodía constantemente cambiante y tenor emocional, sus letras alternativamente auto-mitologizantes y auto – dudosas-es perfecto.
sonido y visión (1977)
elegir las 50 Mejores Canciones de Bowie es una tarea ingrata., Su catálogo es tan rico, que inevitablemente terminas perdiendo pistas tan buenas como las que has elegido en el proceso: Queen Bitch, Suffragette City, Be My Wife, Dollar Days. Elegir lo mejor es aún peor, pero el sonido y la visión son a la vez una fantástica canción pop y un acto de audacia artística. Un single de éxito de tres minutos que ni siquiera cuenta con una voz principal hasta la mitad, retuerce una letra abatida en algo edificante y, musicalmente, trasciende el tiempo. Completamente original, nada de su sonido lo ata a mediados de los 70. su magia parece resumir a Bowie.,
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